Dollkraut l'interview

Avec son kraut rock hypnotique et sombre, Dollkraut signe la BO parfaite d'un giallo italien imaginaire via l'album Holy Ghost People. Après un passage remarquable à la Station, cette fois en formation complète, les hollandais pourraient bien détrôner la référence du genre Beak> grâce à ses compositions arides à l'esthétisme rétro. On fait les présentations.

Comment se passe ta tournée ?

Plutôt bien ! C'est toujours agréable de jouer sa musique devant des étrangers.

Tu aurais une anecdote de tournée à nous faire partager ?

Oh mec, j'ai vu tellement de choses se passer en live que je ne m'en rappelle même plus. Mais on adore quand les gens deviennent tarés devant nous et qu'ils se mettent à faire du crowdsurfing.

Pourquoi as-tu décidé d'avoir un groupe sur scène à présent ?

Je pense que c'était la meilleure manière de présenter Holy Ghost People. Ce nouvel album sonne plus organique que le précédent.

Justement, comment le décrirais-tu ?

C'est plus un album « d'écoute » je dirais. Dans le sens où il y a beaucoup plus de profondeur. J'ai utilisé des instruments différents pour insuffler des éléments psychédéliques aux chansons. C'est d'ailleurs la principale influence d'Holy Ghost People , je voulais qu'il y ai une couleur qui ressemble aux vieux disques de psychédélisme, cette vibration si particulière.

Comment composes-tu ?

Je n'ai pas de processus particulier. C'est toujours différent. Parfois les paroles me viennent en premier, d'autres fois, j'enregistre d'abord la mélodie.

Tu te sens proche de d'autres formations ?

J'essaye de ne pas trop écouter ce qui se fait. Ça me pousse à ne pas suivre de tendance et de faire mon propre truc.

Ta musique est assez visuel. Est ce que le cinéma influence tes compositions ?

Énormément ! Des films comme The Holy Mountain, The Trip mais aussi L’ascenseur ou le film l'Alpagueur avec Jean Paul Belmondo ont une influence considérable sur mon travail.

Comment se porte la scène musicale à Amsterdam ?

C'est assez vivant, ll y a beaucoup à offrir. Mais encore une fois, ça peut aussi être très limité. Tu le vois partout, quand une musique commence à devenir moins accessible, le gens ne prennent pas le temps de vraiment l'écouter. Et donc, c'est parfois compliqué de remplir les salles de concert.

Tu penses qu'Amsterdam est une bonne ville pour être artiste et faire de la musique ?

Bien sûr ! Pas mal de gens de l'industrie du disque vivent ici, donc c'est plus facile de les approcher. Après, il y a toujours mieux. Rotterdam par exemple, qui est une ville très inspirante.

Que fais-tu quand tu ne composes pas ?

J' écoute de la musique, j'en poste pas mal sur la chaine web Intergalactic FM channel 4, et je bosse sur des artworks.

Ta musique fait beaucoup penser à des formations comme BEAK>, et à des vieux soundtracks de films d'horreur...

Peut être bien...Mais merci du compliment ! Si un réalisateur de films d'horreur veut travailler avec moi, dis lui de m’appeler sans problème.

Tu te vois toujours faire de la musique dans dix ans ?

Aucune idée, je peux très bien passer sous un train demain, donc bon. Je laisse cette question à ma destiné.

Tu aimerais produire d'autres artistes ?

Pas pour le moment. Mais je pense qu'une collaboration avec Roisin Murphy serait très intéressante.


House of Wolves l'interview

Du séminal Fold In The Wind paru en 2011 (lire) au plus récent troisième album éponyme (lire), Rey Villalobos, aka House Of Wolves, fait définitivement partie de ces quelques artistes avec lesquels Hartzine entretiendra toujours une histoire d'amour, du moins aussi longtemps que le californien nous gratifiera de ses chansons à la grâce et à la délicatesse infinies. Avec une constance étonnante, l'ami Rey nous avait déjà ravis il y a quelques mois avec son dernier LP qui, tout en soulignant le sens mélodique inouï de son auteur, prenait davantage d'ampleur et d'oxygène avec l'apport d'un quatuor à cordes et une section rythmique plus marquée. Une richesse sonore témoignant d'une volonté d'évolution artistique ne reniant pour autant rien d'un passé discographique frisant le sans faute. Toujours en très grande forme, c'est avec un split EP en compagnie d'Emily Jane White, à paraitre sur le label français Discolexique, que nous revient déjà House Of Wolves. Un EP sur lequel chacun reprend un titre de l'autre (Keeley pour House Of Wolves et Just Shy Of Survival pour Emily Jane White) et se fend pour l'occasion de deux nouveaux titres. Six tracks, donc, qui trouvent ensemble une cohérence étonnante, témoignant d'une longueur d'onde partagée entre les deux artistes. Et comme ces deux-là sont loin d'être des manchots,le tout s'écoute avec délice et délectation, dans une certaine légèreté de ton sur laquelle on n'aurait pas forcément parié sur ce coup, malgré le poids émotionnel de certains textes. En témoigne notamment l'irrésistible "Up High And low", qui dévoile une facette plutôt détendue du bulbe de son auteur.

Profitant de leur passage à Rennes le 21 mars dernier dans le cadre de leur tournée commune, et ce jour là, dans le cadre des 20 ans du festival Rennais Les Embellies, on a posé quelques questions à Rey Villalobos, déjà sept années après une première rencontre marquante.

House Of Wolves nous a également fait l'honneur d'une session live quelques heures avant son concert, nous offrant un petit moment de grâce et de générosité dans un coin de loge exigu et pas loin d'un évier, choisi par Rey Villalobos lui-même pour son acoustique et son intimité. La vidéo est à (re)découvrir ici-même.

INTERVIEW  (Rennes, Église du Vieux Saint-Étienne, le 21 Mars 2018)

Te voilà déjà de retour en tournée avec Emily Jane White quelques semaines après la tournée de House Of Wolves pour le dernier album. La scène est-elle un exercice que tu aimes de plus en plus ?
You are back again on tour with Emily Jane White a few weeks after having been on tour for the last album of House Of Wolves. Is being on stage an exercise that you increasingly cherish ?

C'est un défi que de jouer et de présenter ses chansons quand on se produit dans des endroits différents, et après chaque concert, on se demande ce qu'on peut améliorer. J'aime refaire cet exercice encore et encore. Le résultat n'est jamais figé : continuer à faire de la scène, apprendre, améliorer le set...C'est toujours très amusant de voir tout ce qu'on peut faire et c'est aussi un défi que de faire ça en solo parce qu'on se retrouve sur scène, complètement seul, à se demander comment on va faire pour faire en sorte que personne ne s'ennuie pendant 40-45 minutes, et comment on peut jouer avec le set sans un groupe avec soi.

It's a challenge to play and present your song when you play in different situations and after each show you wonder what you can do better. I am enjoying doing it again and again. It's a work in progress all the time : to continue to be on stage and to learn and to make the set better...it's always really fun to see what you can do and it's also really a challenge to do that solo because you're just up there totally by yourself wondering how you're going to keep everyone interested for 40-45 minutes, and what can you do to the set without band.

Ton dernier album, plus riche musicalement, t'a aussi amené à jouer avec groupe, contrairement à tes débuts. Qu'est que cela change dans ton approche de la scène ?
Musically richer, your last album has brought you to play with a band, contrary to when you started performing. What has it changed in the way you perceive being on stage ?

J'ai joué avec des groupes avant. J'ai été dans un groupe de rock donc ça n'a pas vraiment changé mon approche de la scène sauf que quand on joue dans un groupe, les questions de logistique sont tellement plus compliquées en comparaison avec une tournée solo... Mais c'est tellement génial de jouer avec des personnes avec qui le courant passe. J'ai joué avec une altiste, Olive, à Paris, et il y a aussi mon ami Mike, et quand on trouve des gens comme eux avec qui on crée une alchimie, l'énergie change complètement et on en vient à ajouter juste assez de dynamique pour être encore plus dans l'instant.

I've played with band before. I actually was in a rock band before so it hasn't really changed my perception of being on stage except when you play with band, logistics are much more complicated comparing to when you're solo. But then playing with people you click with is so awesome. I've played with a violist, Olive, in Paris, and there's my friend Mike, and when you find people like them with whom you can connect, the energy changes completely and you add just enough dynamic to be more into the moment.

Tes deux premiers albums apparaissaient très intimistes. Le 3ème, « House Of Wolves », est apparu beaucoup plus ouvert, plus ample (dans les orchestrations notamment, - de piano, + de cordes). Aujourd'hui, c'est un split EP avec Emily Jane White qui sort... Qu'est-ce que cela dit de ton évolution artistique ? Es-tu de plus en plus ouvert à l'extérieur ?
Your first two albums came as very intimate. The third one, « House Of Wolves », came as more opened, it gained momentum (especially with the arrangements, less piano, more strings). Today, it's a split EP with Emily Jane which is out now... What does it say about your evolution as an artist ? Are you more opened to exterior influences ?

J'ai fait les deux premiers en solo et le suivant a été enregistré en live, avec un groupe -batterie, basse, guitare et piano -, et quand on a joué cet album de bout en bout, on a joué fort...J'aurais aimé pouvoir amener ces personnes mais le coût était tout simplement trop élevé...Et pour l'album d' après, je me demandais s'il fallait mieux faire quelques chose de plus doux, ou carrément glam rock...On peut prendre n'importe quelle chanson et lui donner des accents rock ou super low fi donc j'aime bien tester les deux et envisager toutes les possibilités d'une chanson.

I did the first two solo and then the next one was recorded live, with a band -drums, base, guitar and the piano-, and when we tracked that album we were playing loud, we were rocking loud...I wanted to bring those guys but it was just so expensive...And for the next record I was wondering if I should be doing it with more mellow accoustics, or go glam rock...You can take any song and make it rock or super low-fi so I like going both and try and dicover all the possibilities for a song.

Avais-tu besoin de bousculer les codes édictés par toi-même concernant ta musique, l'envie d'une évolution plus marquée ?
Did you feel like you had to shuffle the lines of conduct you drew concerning your music, some sort of urge for a more affirmed evolution ?

J'en avais assez de faire de la folk ombrageuse, je venais de faire à la suite deux albums folk donc j'avais envie de tester quelque chose de différent, pas non plus un album glam rock complètement fou, mais différent.

I was tired of doing dark folk, I had made two folk records back to back so I wanted to something not full on crazy glam rock but different..

Le piano est de moins en moins présent dans ta musique, y compris sur cet EP. Quel est aujourd'hui ton rapport à ce qui est pourtant ton instrument de prédilection ?
The piano is less and less present in your music in general, and that's the case too on this EP album. How do you relate now to what's your favourite instrument ?

C'est vraiment juste une question pratique, on voulait faire rapidement cet EP donc on a travaillé avec une guitare. De plus, quand on est on tournée, personne ne va vouloir trimballer un piano partout avec lui...Mais ce serait super de refaire un album avec piano. Christophe (NDLR: le patron du label Discolexique) a réussi à nous avoir un piano pour la date de Lille donc à Lille on s'accompagnera juste d'un piano, sur ce tour.

It's really only just a question of convenience, with this EP, we wanted to do it quickly so we worked with a guitare, and also, when touring, you don't want to carry a piano around with you...but we'd love to do a full piano album again, and in fact Christophe managed to get us a piano for our date in Lille so we're playing with just a piano in Lille on this tour.

A propos de « House Of Wolves », j'ai beaucoup entendu et lu de références à Elliott Smith et notamment son album « Figure 8 », te présentant comme son successeur. Que penses-tu de cette filiation ?
About « House Of Wolves », I've read and heard many references to Elliott Smith, and especially his « Figure 8 » album, that presented you as his successor. How do you feel about this filiation ?

Vous rigolez, c'est incroyable...Je suis honoré...

That's amazing, are you kidding me ? I feel honored...

Pour ce split EP, comment vous êtes vous rencontrés et qui a proposé à l'autre une collaboration ?
For this split EP, how did you meet and who asked the other for a collaboration ?

Je reprends une de ses chansons, et elle reprend une des miennes, et c'est comme ça qu'on s'est rencontré. En 2015 je donnais une interview pour une émission de radio à Toulouse et ils passaient des morceaux, et là j'ai entendu une de ses chansons et j'ai trouvé que c'était un bon morceau. Je l'ai mis sur une playlist qu'on m'avait demandé pour un blog. Et on a fini par demander à Emily si elle voulait qu'on travaille ensemble, et on s'est rencontrés sur Facebook.

I'm covering one of her songs and she is covering one of mine, and this is how we met : I was in Toulouse in 2015 doing a radio interview show and as they were playing songs, I heard one of her songs and I thought it was a good song, I put it then on a playlist I did for a blog. And we ended asking Emily if she wanted to do the collaboration and we met online on Facebook.


Peux-tu nous parler de la genèse du disque ? Comment avez-vous procédé pour l'écriture et l'enregistrement ?
Can you tell us about the making of the record ? How did you do its writing and recording ?

J'ai enregistré ma reprise d'Emily dans ma ville natale à coté de Santa Barbara, avec Tom Flowers dans le studio qu'il a chez lui, avec une guitare acoustique et un vieux micro des années 60, je crois. Et pour les deux titres originaux, je les ai enregistré à L.A, chez Fireproof Recordings et j'ai embauché un de mes amis, Duncan, pour jouer la guitare lead... Et moi j'ai seulement apporté ma guitare acoustique.

I recorded Emily's cover song near Santa Barbara in my home town, with Tom Flowers in his home studio with an accoustic guitare and an old sixties microphone. And for the two originals I recorded them in L.A at Fireproof Recordings and I just brought my accoustic guitare down and I hired a friend of mine, Duncan, to play the lead guitare.

En quoi vous sentez-vous proches artistiquement avec EJW ?
In which ways do you feel artistically close to EJW ?

J'aime ses suites d'accords, comme dans la chanson « Keeley », je me retrouve dans ses suites d'accords, dans ses mélodies.

I like her chords progression, like in the song « Keeley », I could feel myself in the chords progression, in her melodies.

Comment places-tu ce split ep dans ta discographie? Y trouve-t-il une place cohérente ou est-ce une parenthèse?
Where would you classify this split in your discography ? Does it fit organically or is it a parenthesis ?

Je pense qu'il fait partie d'un ensemble assez organique, l'album suivant pourrait être assez similaire, plutôt folk, assez low fi, ou peut-être sera-t-il plus glam rock...ou peut-être les deux à la fois...

I think it's quite organic, the next one could be quite similar, folkish, quite low fi, or maybe it will be more glam rock... or maybe both...

Ce split EP apparaît assez cohérent sur la globalité. Comment avez-vous procédé pour trouver cette homogénéité ? Etait-elle voulue ou s'est-elle présentée naturellement ?
This split EP sounds like a whole. How did you manage to find this homogeneity ? Was it something you were aiming for or did it come as something natural ?

On a eu de la chance parce que c'est venu plutôt naturellement, j'enregistrais, elle jouait...on a été très chanceux.

We were kind of lucky and it came rather naturally, I recorded, she played...we were really lucky.

Dans une interview pour Hartzine en 2011, tu nous présentais l'idée qui alimentait ton projet musical comme une « nostalgie lointaine et entêtante ». Le dirais-tu de la même manière aujourd'hui ?
In an interview for Hartzine in 2011, you labelled what nourrishes your music as « a haunting far away nostalgia ». Would you describe it in the same way today ?

Pareil. La nostalgie d'une époque plus simple, comme une chanson d'amour...Je reste fidèle à mon slogan.

The same, a nostalgia for a more simpler time, like a love song...I'n sticking with my slogan.

Toujours en 2011, tu nous disais à propos de « Fold In The Wind » que ton ambition était de « faire un album très tranquille de chansons d'amour que je pouvais jouer seul ou avec un groupe » . L'ambition pour le troisième album, voire cet EP, était-elle différente ?
Still in 2011, you told us about « Fold In The Wind » that you wanted to make « a very chill album of love songs that – you – could tour solo or with a band. Was it a different ambition for the third album and this EP ?

Je n'ai pas pensé à la tournée quand j'ai monté cet album, j'ai juste assemblé les morceaux...Je me rappelle avoir pensé à ça pour les deux premiers albums, le troisième est un album pour un groupe, il a besoin de batterie et d'une guitare basse pour être joué, mais pour cet EP, je l'ai fait sans arrières pensées, sur ce projet je me suis simplement contenté de faire de chouettes chansons.

I didn't think about the touring aspect on that album, I just put the songs on there... I remember thinking that for the first two ones, the next one is more of a band album that needs drums and bass but for this EP I did it without any thoughts, I was just focusing on making cool songs for this project.

interview réalisée par Marie Baudouin & Sylvain Le Hir

Session

Le duo de choc est toujours en tournée actuellement dans toute la France:

27/03 : Dijon – adresse sur réservation au sabotage_box(at)hotmail.com
28/03 : Bourg-en-Bresse – La Tannerie
29/03 : Saint-Étienne – Le Fil
30/03 : Romans-sur-Isère – La Cordonnerie
31/03 : Toulon – Hôtel des Arts
01/04 : Toulouse – La Sainte Dynamo
04/04 : Nancy – Crypte de la Basilique Saint-Epvre (festival Off Kultur #2) Pays Bas
24/03 : Den Haag (NL) – PAARD Belgique
25/03 : Liège (B) – La Halte / Brunch JauneOrange (concert à 13h)
25/03 : Namur (B) – Chez Lisa (concert à 19h)


Lulu Van Trapp l'interview

C'est dans les profondeurs de Pigalle que j'ai rencontré un animal étrange, lunatique, qui chantait à tue tête de la pop mélancolique aux mélodies d'ailleurs. Il y a quelques jours autour d'une limonade Rebecca Baby et Maxime Sam Rezài m'ont éclairée sur le mystère Lulu Van Trapp.

Qui est Lulu Van Trapp ?

Rebecca : C'est un avatar que je m'étais créé au sein de notre ancien groupe La Mouche. On était très DIY on faisait tout nous même du coup je m'étais crée un personnage de manager imaginaire pour la Mouche. Un pour moi et un pour Max, il s'appelait Abaham Chance. Je me faisais passer pour elle quand il s'agissait de la partie booking du groupe. Pour ce projet au début on était seuls au Wonder avec Max à faire nos petites démos. On se sentait un peu moins seuls avec l'idée d'une tierce personne. Lulu Van Trapp est un groupe mais avant tout un personnage totem.

Comment s'est passé la transition de La Mouche à ce nouveau projet ?

Rebecca : On n’a pas arrêté La Mouche pour démarrer Lulu Van Trapp. Ce projet existait déjà en tant que side projet depuis un moment. C'était notre rendez-vous à tous les deux pour faire de la musique qui nous plaisait, qui était plus pop, le groupe de l'interdit.

Max : C'était plus intime. Lulu Van Trapp c'est le groupe où on se retrouvait au pied de l'arbre tous les jours à une heure donnée. C'était notre petite bulle à Rebecca et à moi, notre truc à nous. La Mouche a cessé de voler par elle-même et on a concentré nos efforts sur ce projet. On voulait faire de la musique un peu plus rock. Avec Lulu Van Trapp on crée un univers, des sensations qu'on n’arrivait pas à se procurer avec La Mouche. On essaye d'avoir un éventail de choses à transmettre. On avait encore beaucoup de choses à donner.

Max : La volonté de recruter d'autres musiciens est venue assez rapidement. Nico notre batteur et sampleur du désert, on le connait depuis des années, on a tourné avec ses anciens projets, on a fait plein de jams avec lui. Ca a été une évidence comme nous comme pour lui de bosser ensemble. Il avait adoré le tout premier set de Lulu Van Trapp super simple qu'on avait donné à la Rat’s Cup à Biarritz l'année dernière.

Rebecca : Nico est batteur pour un autre groupe qui s'appelle Spa Massage et un des musiciens de ce groupe, Manu, est devenu notre bassiste. C'est Nico qui l'a recruté pour nous. On a très vite eu notre première vraie date à quatre à la Maroquinerie en première partie de Faire. On a dû très vite rentrer dans une phase de travail assez intense en résidence afin de préparer ce concert là, ça nous a énormément rapprochés.

Comment se déroule le processus créatif au sein du groupe, qui fait quoi ?

Rebecca : Max et moi on travaille en binôme, on chante et on écrit à deux depuis longtemps. C'est
toujours beau quand on écrit, moi je suis la main qui gribouille et lui est allongé à rêvasser à côté de moi, la guitare à la main. Il me balance souvent des thèmes, des mots et j'essaye d'écrire dessus. Dès que je bute il a juste à dire un mot pour me relancer. On pourrait pas faire l'un sans l'autre. Pour la musique, c'est l'inverse. Max arrive avec des accords et on mélange nos idées. C'est une partie de ping pong entre nous. Lulu Van Trapp est clairement basé sur notre binôme en ce qui concerne les idées de base. Après, les chansons ne seraient pas les mêmes si on ne les partageait pas avec nos musiciens, ils nourrissent notre musique. Chaque membre apporte sa touche.

Max : Chacun est libre dans sa partie. Même quand on a une idée, on a souvent le désir de tout reconstruire, de tout recommencer en partant des idées des autres membres du groupe. On a envie de tout changer. J'adore l'essai, essayer des morceaux version country, version tropical, version pop anglaise, ça dépend.

Quelles sont vos influences musicales ? Où trouvez vous ces sonorités si singulières ?

Max : J'avais jamais vraiment joué de la guitare avant Lulu Van Trapp. Même pour Rebecca c'est un nouveau challenge qui se présente à elle. On utilise toujours son corps et son chant comme plateforme mais c'est différent. Rien que dans les paroles c'est plus fantastique mais aussi plus frontal. On raconte des choses que l'on vit. Tout est fluide entre Rebecca et moi. Dans ce projet, de l’œuf à son éclosion il se passe très peu de temps. Il y a plus de kilomètres au compteur.

Rebecca : Lulu Van Trapp c’est le groupe de la maturité. Là on ose faire de la guitare, du synthé, tenter plus de choses nouvelles en général. Tout me semble plus abouti et ça nous permet de réunir plusieurs styles sous la même bannière. On passe de l'anglais au français mais finalement tout se répond.

Max : A la base on aime les sons synthétiques et les boîtes à rythme japonaises. Pour les influences on part du rythm & blues vers la soul des années 60 tout en passant par la pop. On aime le style des love songs, le fait de déclarer sa flamme à travers la radio. Ce qui est cool en 2018 c’est qu’on peut tout mélanger parce que ça atteste d’une curiosité de notre part. Dans notre musique on retrouve du son des 80’s dans certaines textures mais les mélodies sont plus 60’s. Je sais qu’à la guitare j’ai une grosse influence qui me vient des îles comme Haïti et Hawaii. Notre duo basse et batterie lui est assez rock.

Rebecca : Notre dernière chanson "The Echo" montre bien ce métissage justement. On a utilisé un beat vraiment actuel, trapp d'un côté puis ajouté des paroles et une guitare surf vraiment romantiques de
l'autre. Je pense que ça en fait une bonne chanson d'amour de son époque. On est des gens de notre époque et on a envie de vivre maintenant avec le rythme d'aujourd'hui.

Quelles sont été les influences pour l'esthétique de votre travail ?

Rebecca : On a instauré une sorte de jeu. Avant chaque concert on se dit : "Alors on va faire quoi ? On va s'habiller comment ?" On s'habille tous pareil, on aime bien créer une atmosphère qui va être frappante. On est encore en train de créer notre esthétique, on découvre tout le temps des trucs. On représente parfois le rêve americain style cowboy naïf et tous les autres clichés qui vont avec. On réinterprête des visions qu'on a de certains styles, des trucs qui nous intriguent.

Max : Un peu comme dans les années 80 quand ils imaginaient le futur; des skateboards sans roues, des chaussures qui se lacent toutes seules. Des choses qu'on ne vit pas qu'on imagine, qu'on idéalise. D'une chanson à une autre on a des univers différents ça se ressent au niveau de l'esthétique du projet. Chaque chanson est porteuse d'un concept qui aura son esthétique. Nos concerts, nos chansons ne constituent pas un bloc mais c'est plutôt un voyage. Un voyage d'un point A à un point B en faisant le tour du monde.

En ce qui concerne vos dernieres sorties, quels sont les futurs projets de Lulu ?

Rebecca : On vient de sortir notre deuxième clip "The Echo" qui est en fait notre premier vrai projet à nous. 'G-Host', sorti il y a plus d'un an c'était une maquette pour le projet d’une amie, Julien Oona. On était ses acteurs. On commençait Lulu Van Trapp et on lui a proposé un son bricolé au Wonder, un des premiers du projet. C'était la période où Lulu était en train de naître, c'était naïf mais cool. "The Echo" c'est notre premier bébé 100% Lulu Van Trapp, on a tout pensé et enregistré.

Max : On est dans un délire de sortir des clips. On va sortir les chansons une à une, le tout deviendra un EP mais c'est pas la priorité. Notre volonté c'est de faire vivre nos chansons.

Rebecca : Notre musique et nos paroles sont imagées donc la mise en image est super importante pour nous. Dès que j'écris les paroles j'ai déjà les images et les clips en tête. On va sortir peut être deux clips avant de sortir un disque. Les gent sont bienveillants et super réceptifs autour de nous. Ils nous suivent dans nos délires. Nos prochains concerts seront le 20 Mars à La Maroquinerie en première partie de Bon Voyage Organisation puis le 21 Avril au Point Ephémère pour le Disquaire Day.

Crédit photo : Elodie Talmone


Slove l'interview

Slove c'est le résultat de  l'attraction élective  de deux vieux de la vielle de l'indie  d'ici. Depuis près de 20 ans, chacun de leur côté,  Leo Hellden et Julien Barthe additionnent les projets sans jamais  se perdre dans de trop grands écarts artistiques; les blases de leurs  projets parlant d'eux-mêmes : Asweffal, Tristesse Contemporaine, Plaisir de France, Sweet Light.... C'est en 2005 que le Suédois et le Breton se croisent aux détours d'un studio d’enregistrement à Bagnolet, depuis lors Slove est pour eux un exutoire artistique. Ainsi né cette raconte fortuite puis d'échanges autours de leurs influences contrastées, d'une longue période d'essai,  Slove est désormais une entité à par entière avec ce second album, Le Touch, qui sortira chez  Pschent fin mars et pour lequel Maud Geffray, Alex Rossi, Sarah Rebecca, pour ne citer qu'eux, sont venus donner de la voix sur des tracks tout en clair-obscur, aux asymétries follement harmonieuses, vacillant sans cesse entre flamboyance pop et rythmes synthétiques tranchants.  

Les deux bonhommes se sont prêtés jeu du questions-réponses et nous offrent  une petite mixtape exclusive à écouter ci-après.

Slove sera en concert au Hasard Ludique, samedi 10 mars en compagnie de Born Idiot organisé par nos amis du Bovary Club. Courrez-y avec vos places déjà dans la poche.

Interview

Doù venez-vous?

Julien : de Bretagne
Léo : de Suède

Où allez-vous ?

Julien : vers le futur!
Leo : je suis très bien a Paris mais ça peut bouger, je reste ouvert.

Pourquoi la musique ?

Julien : la musique à toujours été présente dans ma vie ainsi que dans ma famille. J'étais destiné au métier de graphiste et la musique à très vite pris le dessus... je ne suis pas vraiment musicien, j'ai plus l'impression de faire du collage, des découpages, du coloriage justement. Un peu comme un grapheur, un truc assez anarchiste, fun, libre. C'est du bricolage, de l'artisanat. C'est parfois technique mais toujours ludique. Généralement je passe peu de temps sur un morceau, comme quand tu es enfant, dessiner une aprem c'est une eternité!
Leo : Pour moi c’est un besoin d’exprimer quelque chose et de canaliser une énergie. La musique permet de décrire des émotions de manière encore plus précise que les mots. Slove c'est d'ailleurs une émotion, une expression qu'on a inventée, c'est la contraction de slow et de love. Ce qui est intéressant c'est de mélanger nos influences, nos gouts. Italo disco, french touch, acid house, punk, musique classique... Avec Julien on se complète, on est tous les deux un peu fou, on s'entraine mutuellement dans notre folie, et en même temps on est chacun le garde fou de l'autre.

Et si vous n'aviez pas fait de musique ?

Julien : j’aurais été graphiste ou fleuriste, il m'arrive d'ailleurs de faire des artworks avec des fleurs (cf la pochette du maxi Herbes Mauves, en duo avec Barbara Carlotti)
Leo : j’ai travaillé à temps partiel dans les livres anciens mais la musique à fini par prendre toute mon attention. Entre Slove, Camp Claude et Tristesse Contemporaine, je suis bien occupé. Et avant j'étais dans AsWeFall.

Une épiphanie personnelle ?

Julien : continuer a faire ce que j’aime : une chanson et une maison !
Leo : faire du yoga

Une révélation artistique ?
Julien : Dead Sea, DBFC, Dombrance, Pryda « Leja »
Leo : Not Waving, Errorsmith, Arizona

Le revers de la médaille ?

Julien : payer l’addition
Leo : il y en a surement mais j’assume mon mode de vie et je n'ai pas de regret majeur pour le moment.

Un rituel de scène ?

Julien : inspirer, respirer, transpirer
Leo : on aime faire des surprises, avec des invités, des cotillons... On fait aussi des erreurs, des pains comme vous dites ici - c'est pas vraiment voulu, mais ça plait au public.

Avec qui aimeriez-vous travailler (musique et hors musique) ?

Julien : Roisin Murphy
Leo : Hope Sandoval

Quel serait le climax de votre carrière artistique ?

Julien : pouvoir travailler avec ceux que nous aimons le plus autant, les chanteurs que les musiciens. On a souvent des rêves de gosses, et parfois ils se réalisent.
Leo : pour l’instant je pense à court terme : le prochain disque, le prochain concert... j'aime enchainer les choses vite, c'est ce qui me fait vivre. Je ne planifie pas trop, je m'amuse au jour le jour, c'est un peu le climax permanent au final.

Retour à l’enfance, quel conseil te donnez–vous ?

Julien : J’ai la chance d’avoir une maman qui m’a toujours encouragé à aller dans ma direction, je fais et je vis de ce que j’aime depuis toujours...
Leo : ne stresse pas: don't worry be happy.

Comment vous voyez-vous dans trente ans ?

Julien : facile: je ferai de la musique ambient pop, de l’aquarelle et des diners pour mes amis, ma femme et mes enfants sous ma serre pleine de plantes...
Leo : sur la plage idéalement, avec un noix de coco à siroter

Comment voyez-vous évoluer votre musique ?

Julien : toujours plus de mélodies, de surprises et d'émotion mais aussi toujours de nouveaux featurings. Slove c'est un peu un atelier où on accueille des petits délinquants, on canalise leur energie et on les relache dans la nature quand on les a remis dans le droit chemin.
Leo : toujours à la recherche d’une expression plus pure et précise. Ca parait bête mais c'est un peu le Looking for the perfect beat d'Afrika Bambaataa.

Un plaisir coupable ou un trésor caché ?

Julien : l'autotune!
Leo : de manière générale je pense qu’on cache moins nos plaisirs coupables aujourd'hui qu’avant. On peut mélanger plus librement nos gouts indie avec des choses plus commerciales sans être jugé (on a récemment fait un mix dans lequel on a mit du Deadmau5 ou du Eric Prydz, ce n'est pas de la provocation, quand on aime on se pose pas trop de questions). On a toujours fait ça, Julien en remixant des titres de variété françaises avant que ça soit la mode. Et avec Slove, au delà de la musique, dans les paroles c'est très libre: du francophone, de l'anglais, de l'italien, beaucoup de no-sense ("Si t'as un plan cheval let me know"). Je crois que j'aime bien l'artiste Chaton qui est parfaitement dans l’air d’un temps et assez libre. On est là pour s'amuser et je suis très sérieux quand je dis ça.

 

Mixtape


En Attendant Ana

Si Verity Susman chantait mieux, enfin juste, En Attendant Ana aurait pu être le nouveau Electrelane. Et c'est tout le mal qu'on leur souhaite, avec cette naïveté charmante qui pointe à chaque refrain comme le faux prétexte d'une vraie bonne humeur portée en bandoulière, le sourire aux lèvres. La mélodie vivace et entêtante, l'envolée fraîche et radieuse, c'est tout ce qu'il leur faut : une pop pas piquée des hannetons, un peu garage et agrémentée d'un ton lo-fi de bon aloi. On n'attend plus Ana puisque les jeunes pousses, chasse gardée Montagne Sacrée et Buddy Records, sortent leur premier album, Lost & Found, le 14 avril et livrent cet extrait exclusif, The Violence Inside... cadeau !

Agenda : release party au Chinois, à Montreuil, le 14/04 (event FB)

D’où venez-vous ?

De banlieue parisienne essentiellement, et d'un bled perdu (mais fier !) de l’Ain.

Où allez-vous ?

Là où on peut mais on évite les tunnels du métro.

Pourquoi la musique ?

On a vu de la lumière, on est rentré, c'était très cool donc on est resté !

Et si vous n’aviez pas fait de musique ?

Ce serait tout pareil mais on s'ennuierait probablement un petit peu plus.

Une épiphanie personnelle ?

Harry, I’m going to let you in on a little secret. Every day, once a day, give yourself a present. Don’t plan it, don’t wait for it, just let it happen. It could be a new shirt at the men's store, a catnap in your office chair or two cups of good hot black coffee. Like this.

Une révélation artistique ?

Le pogo d’un concert de rock californien pour la fête d’une ville perdue en banlieue, Peter Gabriel, Joan Jett et la victoire au concours de double pédale de grosse caisse avec une seule pédale.

Le revers de la médaille ?

On n'y a pas encore goûté, pourvu que ça reste comme ça !

Y a t-il une vie après la mort artistique ?

Oui, regardez Schwarzy. (et on en connaît d'autres...)

Un rituel de scène ?

Romain change ses cordes parce que sinon elles se cassent pendant le concert, Camille et Margaux fument des clopes, Antoine boit deux pintes plus un shot, Adrien trois pintes de Picon et Viktor donne des coups de tête à tout ce petit monde en gueulant des trucs idiots.

Avec qui aimeriez-vous travailler (musique et hors musique) ?

Globalement, nous ne sommes pas de grands érudits de la musique et, très régulièrement, après les concerts, on vient nous parler de groupes ou de musiciens à qui on fait penser, ou qui pourraient nous plaire. On ne connaît généralement pas, puis on rentre, on écoute et là... coup de foudre ! Du coup la liste des artistes avec qui on aimerait travailler change souvent mais, en ce moment, ce serait Verity Susman (Electrelane), Pat Flegel (Women/Cindy Lee), Katie Sketch (The Organ) ou Lætitia Sadier. Et la liste est longue encore !

Quel serait le climax de votre carrière artistique ?

Jouer en première partie d’Electrelane pour leur reformation, elle-même dûe au fait qu'on les a harcelées pour qu'elles le fassent.

Retour à l’enfance, quel conseil vous donnez–vous ?

Panique pas, tu seras toujours aussi stressé dans vingt ans !

Comment vous voyez-vous dans trente ans ?

Fatigués et de droite.

Comment voyez-vous évoluer votre musique ?

Un peu plus improvisée probablement, puisqu’on joue moins mal qu’avant

Un plaisir coupable ou un trésor caché ? (musique ou hors musique)

Un MacDo de temps en temps.

Écoute exclusive

Tracklist

En Attendant Ana - Lost & Found (Buddy Records/Montagne Sacrée, 14 avril 2018)

01. Intro
02. (Not) So Hard
03. Night
04. Re
05. This Could Be
06. Why Is Your Body So Hard To Carry ?
07. The Violence Inside
08. Tinkle Twinkle
09. Square One
10. I Don't Even Know Your Name


Who are you Ritual Process ?

Fondé en 2014, le label Ritual Process se veut le gardien d'une techno sans concession comme on les aime. Avec des signatures comme Coldgeist (lire) et Côme (lire), la structure défend une intégrité artistique au romantisme sombre. Autant influencées par l'expérimental, l'indus que par Métal Hurlant et le BDSM, leurs sorties sont maintenant guettées de près par des diggers adeptes d'une musique intransigeante et érudite. Rencontre avec les fondateurs, Mathieu et Marc, pour en savoir un peu plus ce qui se passe derrière cette pierre angulaire de l'underground français.

Interview

Quand a débuté l'aventure Ritual Process et pourquoi ?

Matthieu : Je venais de m’installer à Berlin et j’avais du mal à trouver un label pour sortir mes morceaux. Parfois pas de réponse ou bien un calendrier blindé pour les deux années à venir. J’avais une idée très précise de l’esthétique que je voulais, il fallait du sur-mesure. J’ai donc lancé Ritual Process en 2014, je ne pensais faire que des sorties digitales au début, n’ayant pas le budget pour du physique ni le réseau pour la distribution. Puis Marc m’a rejoint et ça a évolué.

Marc : On s’est rencontré en 2014 avec Matt, à Brest d’ailleurs, et on a tout de suite bien accroché. On avait à peu près les mêmes influences. Il voulait monter un label et sortir des trucs assez vite. L’idée a germé et, en fin d’année, le premier EP est sorti en digital, sous son projet Coldgeist, puis en 2015 le deuxième, entre lui et moi, avec un remix de In Aeternam Vale que je connaissais vite fait pour avoir joué avec lui et Alexey Volkov. Le label était lancé.

Comment définirais-tu l'identité du label ?

Matthieu : Je suis très influencé par Sandwell District et tous les gens qui traînent autour. Ils ont su imposer cette esthétique post-punk et industrielle dans la techno avec une imagerie très forte. Il y a une vision derrière et c’est le plus important pour moi ; on dépasse le côté fonctionnel et divertissant pour proposer une forme de radicalité artistique. On s’en est beaucoup inspiré pour créer Ritual Process. On essaie de faire le lien entre les musiques dites de club et tout ce qui touche à l’expérimental. De manière générale, on se focalise sur les musiques "abîmées", un terme que j’avais lu dans une interview de Silent Servant (lire) qui résume assez bien ce à quoi on s’intéresse.

Marc : Sandwell District, Axis Records, la musique industrielle des pionniers 1970/1980, Detroit, Berlin, l’Angleterre, le rock, le BDSM, la nature... tout cela nous influence. Faire le lien entre le passé et le présent, les quarante dernières années, quand on regarde, sont parmi les plus riches dans l’histoire de la musique, Ritual Process est ancré dans son époque. On avait envie aussi de sortir du schéma classique du label qui fait des tools techno ou house juste pour le dancefloor et Beatport, de laisser place à la spontanéité et à la radicalité. Très important aussi, on voulait mettre la musique sur un support physique (vinyle, cassette, etc.), la mémoire est dans les objets.

L'image, l'artwork de Ritual Process est très forte. Comment et avec qui travaillez-vous ?

Matthieu : On travaille avec Yves Chapelain, que je connais depuis plus de dix ans. On voulait un visuel fort qui évoque à la fois le côté violent mais aussi romantique de ce qu’on fait. On a été puisé dans l’imagerie de Métal Hurlant et, à partir de là, Yves a produit plusieurs esquisses d’un crâne porté par une femme.

Marc : Yves est avec nous depuis le début, il est l’identité visuelle du label.

Quelle image voulez-vous donner ?

Matthieu : Aucune

Marc : Je ne suis pas sûr qu’on ait envie de donner une image particulière ou de calculer quoi que ce soit.

Vous vous sentez proche d'autres labels, en terme d'identité ?

Matthieu : June, Instruments Of Discipline, Anywave, les copains d’OKVLT.

Marc : Jealous God a une superbe esthétique, c'est l’un des labels les plus classes des cinq dernières années. À Rennes, il y a Être Assis ou Danser et les gens du festival Vision, NVNA, avec qui on prépare une soirée.

Comment se porte la scène de musique électronique à Rennes ? Quelle évolution ?

Matthieu : Je n’y suis plus depuis cinq ans.

Marc : On a pris le vent de Berlin des années 2010 dans la gueule, comme un peu partout en France j’ai l’impression, donc la scène rennaise a explosé depuis huit ans avec plein de soirées de collectifs. Tant mieux. Mais il y a aussi une contrepartie dans tout ça : un public très très jeune avec un gros côté "c’est la mode", "la teuf c’est cool". Comme partout, plein de drogues, on a même un gros festival à la "I Love Techno" une fois par an. Bref, on se resserre sur certains endroits et bars moins en vue.

Qu'est ce que vous faites à coté du label ?

Matthieu : Je travaille dans l’informatique, je développe des applications pour une boîte et à côté j’ai une résidence à la Folie Numérique où je bosse sur la visualisation et la manipulation du son, un projet débuté en master recherche de musicologie à Paris 8.

Marc : Je travaille dans la formation, rien à voir avec la musique.

Arrivez-vous à en vivre ?

Matthieu : Du label et de nos projets musicaux, non, on est déjà sur un créneau assez particulier, les endroits où on joue n'ont généralement pas des budgets mirobolants donc c’est une éventualité que j’ai vite enlevée de mon esprit - je pense qu’on n'a pas envie de faire de concession, on a des idées assez arrêtées !

Marc : Non, pas vraiment.

C'est difficile de défendre un label comme Ritual Process ? Vous avez parfois des moments de découragement ?

Matthieu : En quelque sorte, oui, car on a le cul entre plusieurs chaises : entre musique de club et musique expérimentale, entre post-punk et techno, etc. Nous, on voit la cohérence dans ce qu’on fait, on veut sortir tout ce qui sonne "abîmé" comme on le disait tout à l’heure, que ce soit de la synth wave, du noise ou bien de la techno. C’est une richesse de pouvoir proposer cette diversité. Mais on peut parfois avoir du mal à être identifié clairement avec un son reconnaissable. On ne veut pas se cantonner à un genre, si ce qu’on nous envoie nous plaît, on le sortira car ça respectera notre vision et c’est ce qui compte le plus.

Marc : C’est pas toujours évident. En France, ne l’oublions pas, on vient de très loin en terme de musique car musiques électroniques veut dire encore bien souvent free party crado ou french touch cucul du XVI donc c’est clair, on n'a pas choisi la facilité. Mais on suit notre ligne droit et en avant.

Comment choisissez-vous les artistes ?

Matthieu : On n'est pas des identitaires bretons, hein, mais c’est vrai que, jusqu’à maintenant, on a plutôt regardé ce qui se passait autour de nous avant d’aller démarcher d’autres artistes. Cela étant, depuis que je suis installé à Paris, j’ai rencontré des producteurs avec des projets super intéressants qu’on aimerait sortir, comme Opaque.

Marc : On privilégie les gens qui sortent justement des standards et qui ont un truc différent, dur, sauvage ou poétique par exemple. Certains sont des potes, comme Savage Cult ou Enter Caspian, et s'ils sont Bretons, c’est mieux ! (rires)

Pouvez-vous nous présenter vos artistes ?

Matthieu : Il y a quatre artistes permanents sur Ritual Process : mon projet, Coldgeist, celui de Marc, Côme, celui de Pierre-Yves, Dellinger, et enfin Théo avec Savage Cult. On s’est tous rencontrés à Rennes, Marc avait l’habitude de jouer avec les collectifs Midi Deux et RAW, Pierre-Yves faisait des études d’architecture, il vient de la région de Quimper et avait déjà fait pas mal de dates dans le coin. Théo, je l’ai connu avec le premier projet musical qu’il avait avec un pote, depuis il a évolué en solo et a sorti l’année dernière une tape sur Tripalium, notamment reprise par le webzine The Brvtalist.

Quel est le moment dans la vie du label dont vous êtes le plus fier ? Et le moins ?

Matthieu : La soirée commune avec RAW à l’Ubu en 2016, on avait invité Rrose. MioSHe, qui fait partie du collectif, avait peint notre logo sur une pastille de deux mètres de diamètre environ, on l’avait placée derrière la scène. Ça faisait un peu spot pour appeler le Batman.

Marc : Oui, je dirais également la New Faces au Tresor avec Reka et le week-end qui a suivi. On a eu souvent des problèmes avec la fabrication des vinyles, du retard, des quiproquos, des mails où l’on attend longtemps la réponse, etc. Plus il y a d’intermédiaires, plus il y un risque de rencontrer des problèmes.

Est ce que vous avez une anecdote amusante de soirée ou autre à nous partager ?

Matthieu : Marc, je te laisse raconter le coup de la troisième salle au Tresor.

Marc : Donc toujours au cours de ce fameux week-end, on était toute une bande de joyeux loufoques, la soirée se déroulait dans le Tresor, c’est-à-dire une cave. En haut, il y a le Globus, une salle plus orientée house, Chicago, dub, etc. Deux de nos amis, venus de France avec nous, décident de partir aux toilettes et, sur le chemin, le club est grand, ils ont entendu du son, un truc très agressif, comme un moteur. Ils se sont dit "mais c’est dingue, il y a une troisième salle ouverte, ils font de la noise là-dedans, ils sont vraiment dingues ces Allemands, allons-y!" et, filant d’un pas décidé, les deux compères ont ouvert la porte et sont tombés sur une femme qui passait l’aspirateur... juste une employée qui accomplissait son travail.

Quels sont les prochaines sorties ?

Matthieu : Paulie Jan au printemps, avec un projet très bien ficelé. On est fier de le sortir, il a un son très typé - niveau sound design, c’est béton - et une vision derrière. Sinon il y aura sûrement une sortie de Savage Cult d’ici la fin d’année.

Marc : Ce sera dans une belle cassette, et en digital aussi. On a hâte !

Quels sont les prochaines dates ?

Matthieu : Le 31 mars, on a un projet de collab' avec le collectif NVNA à Rennes, mais c’est secret donc on n'en dit pas plus. Sinon le 5 mai, à l’International, on organise une label night. On va inviter un artiste de Zagreb qui joue très rarement en France, on vous laisse googler...

Marc : Et le 10 mars à Quimper, à la Maison Jaune, avec Ohm S.

Comment voyez vous le label dans cinq/dix ans ?

Matthieu : Peut-être qu’il n’existera plus, qu’on aura envie de faire autre chose avec une autre esthétique. J’aime bien cette idée de label qui ne dure pas forcément dans le temps, qui correspond à une époque, à des inspirations, qui est ancré dans le réel. C’est très difficile, je trouve, de conserver le feu du début autant d’années sans tomber dans quelque chose de rébarbatif.

Marc : Difficile, l’avenir nous le dira.

Vous pouvez nous parler de la mixtape que vous avez faite pour Hartzine ?

Marc : La réalisation d’une mixtape me prend du temps à chaque fois, c’est difficile de synthétiser toutes ses influences en un mix. Je fais le point sur mes dernières nouveautés, je note tous les titres sur un papier puis j’organise. J’essaie de raconter quelque chose, de varier les atmosphères. Ici, la grande partie des morceaux sont en vinyle, de différentes époques, je mixe avec des Technics et une table Xone, et j’ai ajouté une pédale d’effets. Le mix est enregistré d’un coup, le rôle de l’ordinateur se limite à être un enregistreur, et Yves m’accompagne pour le visuel.

Un dernier mot ?

Marc : Musique, martini et misanthropie.

Mixtape

Tracklist

Les Joyaux De La Princesse - Croix De Bois, Croix De Feu
Prurient - Naturecum
Simon Shreeve - Lust Product
Shapednoise - Illumination
Banished - Unreleased
Meer - Al Nasr Wa Al Hazima
Ofnir - Hakkerskaldyr
JK Flesh - Bayley Tower (new mix)
Rhyw - Vixen For Society
Silent Servant/Marcel Dettman - The Bond
Plack Blague - Just Another Man Of The Street
DVA Damas - Shortcut To X
Boyd Rice And Friends - Disneyland Can Wait
Age Eternal - Your Face Looks Different Tonight
Coldgeist - Unknown Bodies


TG Gondard l'interview

Après l'éclairage qu'a suscité son projet Colombey et son duo avec Pizza Noise Mafia, TG Gondard, n'en a pas pour autant oublié son alias initial en sortant coup sur coup deux albums l'année dernière. Avec son R n' Brie (ça ne s'invente pas) mélancolique teinté de bass music, TG sublime l'ennui, les histoires d'amour impossible, et les bleds paumés. On a vouloir savoir ce qu'il se cachait derrière toute cette grisaille.

Tu as sorti deux albums l'année dernière, Le Château et Avontuur II qui sont très différents. Comment les décrirais-tu ?

Le Château est constitué de nouveaux morceaux, qui sont en partie dans la lignée de l'album précédent Mon Albertine. C'est un album assez pop, avec beaucoup de chansons, mais aussi des morceaux instrumentaux assez élaborés, avec quelques invités de prestige tels que Èlg, Inès (aka Keiki) ou Jon Collin. Avontuur II est un album plus sombre que j'ai enregistré il y a plusieurs années et qui devait sortir sur un label belge à l'époque, mais le projet est tombé à l'eau. Je l'ai réécouté il y a peu et je me suis dit que c'était dommage que ce disque plutôt plaisant reste au placard, alors j'ai décidé de le sortir moi-même.

Quelles ont été les principales influences pour ces deux albums ?

D'une manière générale, les musiques qui m'influencent le plus sont d'une part la bass music actuelle et tous ses succédanés, chantés ou non; d'autre part la musique lo-fi et toute son histoire, des années 80/90 à aujourd'hui (moults comptes sur Soundcloud pourraient être cités en exemple). A ça on peut ajouter la musique des années 60, le R'n'B originel et la musique jamaïcaine, toutes ces chansons d'amour un peu naïves.

Qu'est ce que tu écoutais plus jeune ?

J'ai commencé par écouter de l'Electronic Body Music, le premier concert que j'ai vu c'était Nitzer Ebb. C'était totalement ringard à l'époque et aucun de mes potes n'écoutait ça; alors par la suite je me suis mis à écouter Pavement, Sonic Youth, ce qui était beaucoup plus respecté, puis des trucs plus obscurs comme la scène space-rock britannique et notamment les groupes de Bristol affiliés à Planet Records. Puis la techno, des trucs très durs, les free party, tout ça.

Il y a eu un gros éclairage sur Colombey. Ça te donne envie de te consacrer plus à ce projet ?

J'ai abondamment tourné avec Colombey, et j'ai sorti deux albums et deux singles en très peu de temps, du coup là je fais une petite pause et y consacre actuellement moins de temps. Mais j'y reviendrai plus tard, peut-être sous une autre forme.

Tu peux nous parler de tes autres projets ?

Je fais toujours parti de Pizza Noise Mafia, c'est un duo de musique électronique dansante clairement influencé par l'EBM, l'italo, l'electro, la noise; on tourne toujours régulièrement et on va essayer d'enregistrer un second disque. Mon autre projet en cours s'appelle Mon Alberteen, c'est un solo de techno assez classique pour faire danser les gens, je tourne dans toute la France en mars/avril avec Accou et Avventur.

Les paroles dans le Le Château sont assez mélancolique. C'est du second degré pour toi ? Est ce ton influence pour les chansons romantiques des années 60 ?

Il y a sur ce disque plusieurs chansons qui ne sont pas mélancoliques, mais la teneur générale est sentimentale. Ces chansons des années 60 sont une énorme influence, elles ont quelque chose de délicieusement désuet et poignant.
Mais je ne me contente pas toujours de reproduire bêtement leur schéma, et mes chansons ont souvent plusieurs niveaux de lecture. J'espère néanmoins éviter à tout prix le "second degré" et la moquerie, qui sont des choses qui ne m'intéressent pas du tout.

Ça parle également pas mal d'amour déchu.

J''ai toujours préféré les slows, les morceaux larmoyants et lyriques. D'une manière générale, mes chansons sont souvent fictionnelles. Je me sens plus proche d'un romancier que de quelqu'un qui tient un journal intime, et j'explore forcément souvent les mêmes thèmes, ceux qui m'inspirent le plus.

Tu es très prolifique. Que fais-tu quand tu ne fais pas de musique ?

La musique est ma seule activité, donc je ne me sens pas particulièrement prolifique, je me considère plutôt comme une grosse feignasse au quotidien. Mes autres grandes passions sont l'amour et le cinéma français.

D'où te vient cette fascination pour les villes victimes de l'exode rural ?

Quand j'ai commencé le projet Colombey je voulais parler des sentiments qu'on peut ressentir quand on grandit dans un coin paumé, il me semblait que c'était vraiment un thème qui n'avait été que très peu abordé dans la chanson et que ça manquait dans le paysage musical. D'ailleurs mon influence principale pour ce projet c'est plutôt un film, The Last Picture Show, de Peter Bogdnanovich.

Tu peux nous décrire le matériel sur lequel tu composes et enregistres ?

J'enregistre désormais tout sur ordinateur en multi-pistes. Mes sources sonores sont des synthétiseurs et des boîtes à rythmes, je n'arrive pas à travailler avec les logiciels comme Ableton ou les VST.

Tes concerts sont à la limite de la performance. Tu le vois un peu comme ça ? C'est un exercice douloureux pour toi ? Un exutoire ?

C'est sans doute une remarque valable pour les concerts sous le nom Colombey, mais sous le nom TG Gondard il m'arrive souvent de jouer assis. Tout cela dépend surtout de l'énergie des morceaux et de l'énergie du moment, j'ai jamais trop réfléchi à la mise en scène ou à la chorégraphie.

C'est important pour toi d'être seul sur scène pour tes concerts ?

C'est un non-choix, je fais de la musique tout seul donc je la représente seul sur scène. J'ai jamais eu assez confiance en moi pour pouvoir jouer avec d'autres musiciens, à de très rares exceptions près. J'ai toujours l'impression de faire des trucs nuls quand je joue avec quelqu'un d'autre, de pas être à la hauteur.

Tu aurais des anecdotes de concert ?

Je te disais plus haut que plus jeune j'étais fan de la scène de Bristol : Flying Saucer Attack, Light, Crescent, tout ça.. Je rêvais un peu d'y aller à l'époque pour voir tout ces trucs en concerts et aussi la ville. Et là j'y suis allé et j'y ai joué pour la première fois il y a quelques semaines. Il y a pas eu plus d'une dizaine de personnes qui sont venues, et personne n'est resté pour mon concert. L'entrée était prix libre et on s'est partagé 90 pence avec le groupe Le Renard, c'était notre seul salaire. Et une Grolsch chacun.

Tu arrives à vivre de ta musique maintenant ?

Je vais voir mon nouveau conseiller RSA dans 30 minutes, olé !

Quels sont tes futurs projets pour 2018 ?

Je voudrais réaliser un beau et long film, un film en costumes si possible.

Audio

Mixtape

Tracklist

Lisa Lotion - Bbbmh
Inès & Regis Turner - Soledad
Christophe Clébard - Les enfants
Anne Laplantine - À main
Bitsu - Halla
Céline et Jean-Francois - Île s'éloigne de plage
Èlg - Triste zoo
Sara Fuego - Una ultima lagrima
"Blue" Gene Tyranny - Leading a double life
Ce Soir - Il neige à la chaux-de-fonds


TH Da Freak, l'interview

Avec ses compositions nonchalantes et ses enregistrements DIY, TH Da Freak impose l'esthétique slacker qui manquait à la France. Comme les apparences sont souvent trompeuses, derrière son style je-m'en-foutiste et ses allures de n'en branler pas une, le Bordelais est pourtant prolifique : il annonce trois disques pour cette année alors qu'il vient de sortir The Hood, un album aux mélodies imparables. En prime, il nous livre une mixtape exclusive.

TH Da Freak, l'interview : l'ivresse et la paresse

Bon, déjà, c'est quoi cette obsession pour l’esthétique slacker des nineties ?

Parce que Wayne's World ! Non, je ne sais pas, sûrement parce que j'adore la musique des années 1990 et que c'est pas bien compliqué de faire des clips ou des visuels comme à l'époque. J'aime beaucoup le grain qu'il y a sur les clips de Sonic Youth par exemple, je trouve ça plus vrai que les vidéos d'aujourd'hui, enfin, je sais pas, ça me parle quoi.

Tu écoutais quoi plus jeune ?

Mes parents écoutent de la musique classique. Donc j'ai commencé à écouter de la musique pop avec la télé surtout, M6 et toutes ces émissions qui passaient du Blink-182, Green Day, Nada Surf mais aussi Gwen Stefani, Snoop Dogg à sa période gangster cuisine, The Servant, 50 Cent, t.A.T.u et tous ces trucs. The Strokes à balle aussi. Les bails du début des années 2000 en fait ! Tout ça avec du Nirvana et du Velvet Underground, éternels sur mon MP3 128Mo.

The Hood est différent des autres albums.

Oui, il est différent, il ne part pas trop dans tous les sens parce que je me suis limité au niveau des instruments pour le recording. Il n'y en a que quatre : guitare, basse, synthé (qui fait les drums) et ma voix, tout ça sur un ampli 15 watts très cheap. Donc il va droit à l'essentiel, il est plus direct, bien que l'ambiance soit un peu léthargique et dreamy.

Tu vis à Bordeaux, tu peux nous décrire la scène musicale là-bas ?

La scène musicale est incroyable, il y a beaucoup de groupes de qualités : les gens d'Iceberg (J.C.Satàn, Sam Fleisch), nos potes de Bootchy Temple ou des groupes grunge/punk comme CHEAAP, Videodrome ou Cockpit qui nous ont beaucoup aidés avec notre collectif Flippin Freaks. Il y a pleins d'assos et de lieux coolos : les stoners de Make It Sabbathy, les weird punks de We Are Vicious, El Chicho, l'Astrodome, le Wunderbar, Bordeaux Rock, l'Antidote, la Cueva, le Void, l'iBoat, la Voute, l'Athénée Libertaire, etc. On se croise plus ou moins tous chez Total Heaven pour acheter nos disques. On est tous copains.

Quels sont tes influences avec TH Da Freak ?

Tout ! De la fourmi qui rampe à l'antilope qui bondit, le kebab du coin, Giant Steps de John Coltrane, euh, le dernier bouquin que j'ai lu ou bien Richard au Pays des Livres Magiques. Mais sinon musicalement, l'insolence et la beauté des années 1990 (Nirvana et Teenage Fanclub en somme), les artistes méconnus avant-gardistes de tout temps, les trucs de Captured Tracks, l'indie en général et le garage... voilà, tout ça c'est ma came.

Quels sont les principales thématiques de tes chansons ?

Ça parle généralement de moi (car je suis très selfish) et de ma vision sur des aspect de la vie, du monde, du love. En tout cas pour The Hood. Sinon ça parle pas mal de chiens aussi.

Tu te sens proche de d'autres artistes en France ?

J'aime me penser proches des artistes français qui font tout en indépendants, du clip à l'artwork, et qui restent dans leur délire parce qu'ils kiffent à fond.

Tu as d'autres projets musicaux ?

Oui, je suis guitariste dans le projet de mon frère, SIZ, je fais de la batterie dans Wet DyeDream et j'ai un groupe de composition où on fait un peu tout ce qu'on veut qui s'appelle 16 Final.

Tu comptes sortir trois albums en 2018. Pourquoi cette frénésie ?

Personnellement, ça me paraît ridicule et pas honnête de sortir quelque chose un an, par exemple, après l'avoir composé, j'aurais l'impression de vivre en décalé par rapport à moi-même. Là j'ai énormément de morceaux déjà composés que j'ai envie de montrer cette année et pas dans deux ans quand ils seront périmés à mes yeux.

Que fais-tu quand tu ne fais pas de musique ?

Et bien j'en écoute, je fais également des clips ou des vidéos rigolotes que je mets sur Instagram, je joue aux jeux vidéos, lis des livres, mate des films et aussi je travaille sur des chantiers avec mes superbes chaussures de sécurité.

À quoi ressemble une journée ordinaire dans la vie de TH Da Freak ?

Toutes les journées sont extraordinaires dans la vie de TH Da Freak. J'ai par exemple mangé un insecte aujourd'hui.

As-tu des anecdotes de tournée à nous faire partager ?

La fois au Cremafest, à Champigny-sur-Marne, où l'esprit de Satan a pris le contrôle de Victor de The Big Idea et m'a (entre autres) lancé un saut rempli d'eau, de bière et de cendres. Je tairai les autres agissements de cette possession maléfique.

Tu te vois comment dans dix ans ? Toujours dans la musique ?

Je me vois comme le futur Maître Gims.

Un dernier mot ?

Le smiley circonflexe circonflexe - c'est pas un mot, désolé.

Mixtape

Tracklist

TH Da Freak – The Hood (Howlin' Banana Records, 16 février 2018)

01. Old Ladies Of The Blocks
02. See Ya In Da Hood
03. Wanking Glass
04. I Add Some Whisky In My Cola
05. I Don't Understand
06. Techno Bullshit
07. Thick Head
08. Bored
09. Bienvenidos At Satori Park
10. Moonmate
11. I Was Such An Idiot


Domotic, l'interview

En parallèle de ses projets Egyptology, Centenaire et Karaocake, Stéphane Laporte continue son odyssée expérimentale sous son alias Domotic. Inspiré par ses vacances à la Ciotat et composé sur un 4 pistes chiné sur le Bon Coin, Smallville Tapes est un cinquième album poétique et instrumental qui convoque les fantômes d'Ennio Morricone et de François de Roubaix. On a décidé d'en savoir plus sur la genèse de ce chef-d'oeuvre.

Domotic, l'interview

Comment s'est passé ton concert à la Maroquinerie ?

Pas trop mal, mais j’ai un peu merdé au niveau de la scéno... J’avais tenté de jouer au milieu du public il y a un mois, à l’Olympic, pour une soirée Err Rec et c’était très chouette, dans un petit lieu, en fin de soirée, tout le monde un peu chaud... J’ai vraiment bien aimé, c’était assez amical comme disposition, donc là j’ai voulu recommencer, sauf que je jouais en premier, et pile à l’heure ! Les gens sont restés loin derrière moi, je me suis senti un peu seul et le public a dû se demander qui était ce gars qui voulait jouer dos au public. Je joue en solo électronique, un peu techno/ambiant, des choses qui sonnent un peu comme les Fourrure Sounds sortis chez Antinote, du coup il y a une grosse part d’improvisation, c’est très élastique. Je trouve des nouveaux trucs à la volée, c’est un exercice très sonore. Là, c’était limité à trente minutes donc un peu étriqué et pas vraiment adapté à ce genre d’exploration. Les gens ont bien aimé, cela dit.

L’exercice du live te plaît ou tu es plus intéressé par l’enregistrement ?

À la base, ce qui m’a donné envie de faire de la musique, ce sont les Beatles. Leurs disques en stéréo me fascinaient quand j’étais petit ; j’écoutais le côté gauche de Strawberry Fields et puis après le côté droit, ça mettait en évidence l’instrumentation et la construction du morceau, j’étais très curieux de ça. J’ai donc abordé la musique du côté enregistrement. J’ai fait une formation d’ingénieur du son parce que je ne pensais pas pouvoir être musicien et puis finalement, pendant ces études, j’ai commencé à enregistrer des morceaux avec mon petit synthé Yamaha pour m’entraîner et pratiquer le logiciel Pro Tools qui me plaisait bien. C’est devenu mon premier album, Bye Bye. Quand on m’a proposé de faire des concerts autour de ce disque, j’ai accepté et ça a été au départ un truc un peu douloureux, stressant, et puis après plein de mésaventures techniques en public et de concerts devant dix personnes, j’ai réalisé que faire un mauvais concert, ça n’est pas bien grave. Depuis, je suis plus détendu et j’aime bien ça. Ça m’a aussi permis de voyager pas mal et j’adore ça, voyager avec un projet, pas simplement en touriste ! Mais je crois que je préfère encore l’expérience studio qui me semble plus créative et aussi plus confortable. J’aime vraiment la phase d’enregistrement, la construction d’un morceau par couches, enregistrer des trucs en première prises et d’autres jouées trente fois avant d’avoir la bonne.

Tu peux nous expliquer la genèse de ce nouvel album ? J'ai entendu parlé d'un 4 pistes acheté sur un parking Auchan et de K7 achetées dans une station-service ?

Ça a commencé comme ça, effectivement. J’avais repéré sur le Bon Coin un vieux Tascam que je connaissais bien, et je l’ai acheté quand j’étais en vacances chez mes parents. Pour le tester, j’ai enregistré quelques pistes de batteries. Je n’avais pas grand-chose comme matériel, juste un micro et un casque, et des vieilles cassettes déjà overdubbées. J’ai mis le casque dans la grosse caisse comme un micro inversé, un SM57 sur la caisse claire et j’ai enregistré des batteries à l’aveugle en saturant un peu tout ça, puis quelques basses ou guitares quand j’avais des idées, mais c’était à chaque fois la batterie que j’enregistrais en premier -
j’en ai une chez mes parents mais pas à Paris où j’habite. Tout ça était fait sans métronome donc un peu bancal, il y a plein de moments où ça hésite, où le tempo bouge... mais quand tu écoutes une piste de batterie toute seule, c’est pas forcément évident.

Comment s'est passé le processus créatif ?

En rentrant de vacances, j’ai transféré ces bouts de batteries et ébauches de morceaux sur l’ordi ; j’ai trouvé ça pas terrible donc j’ai laissé ça de côté. Un an plus tard, alors que j’avais un peu de temps devant moi, je suis retombé dessus. J’ai plein de projets inachevés sur mon disque dur donc je me pose toujours la question de commencer un nouveau truc ou d’en finir un vieux. J’ai réécouté ces enregistrement que j’avais un peu oublié et j’ai trouvé que c’était plutôt cool malgré tous les défauts, le son de batterie me semblait chouette avec le recul, du coup j’ai commencé à essayer de construire des choses qui iraient sur ces rythmiques, couches par couches. De l’orgue, des guitares, des traitements sur la batterie, du synthé, etc. Ça s’est fait quasiment d’un seul jet, de manière hyper instinctive, sans aucune conscientisation, sans enjeu. C’était chouette d’avoir le temps de se perdre dans un projet, c’était une approche très fraîche et innocente, c’est d’ailleurs ce que je préfère dans ce disque, au de-là de la musique, c’est la spontanéité avec laquelle il est apparu. Presque comme un premier disque en fait, sans penser du tout à un public ou à un regard extérieur.

Comment décrirais-tu ce nouvel album ?

J’apparente ça à des chansons sans paroles. Il y a tous les ingrédients de la pop je crois, sauf du chant. J’aimerais bien parvenir à faire des vraies chansons mais je n’arrive quasiment jamais à écrire des paroles satisfaisantes. Je dirais donc quelque chose de mélodique, avec parfois des accords bizarres et des choses étranges, et un son un peu poilu, à l’ancienne.

Tu as eu des influences particulières pour Smallville Tapes ?

Plein d’influences, conscientes ou pas. Dans l’approche du disque, si, il y a des choses décisives, je dirais sans hésiter : Garage Array de Dylan Shearer, un super beau disque sorti sur Castle Face, le label de John Dwyer, avec plein de batteries qui ralentissent et se cassent la gueule et des magnifiques chansons, de beaux changements d’accord à la Syd Barrett. Sans doute aussi Beak> qui m’a bien décomplexé pour les roulements pourris et l’idée de créer une musique "réaliste" plutôt que calibrée - même s'il y a beaucoup de traitements sonores sur le disque et que le son n’est pas naturel. Sinon, mélodiquement, je pense qu’on entend, malgré tous mes efforts, Tortoise, Morricone, Radar Brothers, Can, François de Roubaix et les Beatles. J’essaye d’éviter d’être dans la citation ou le pastiche ceci dit, de trouver une approche un peu originale, mais leur influence sur moi est indéniable.

Mais pourquoi as-tu décidé de renommer La Ciotat, "Smallville" ?

Pourquoi pas ? J'avais déjà enregistré des choses là-bas il y a longtemps et j’avais appelé le projet Music From Smallville, mais je n’ai pas réussi à le terminer alors j’ai ressorti le nom... un peu comme Rimbaud et Charlestown à la place de Charleville, tu vois ? Histoire de coder un peu, de mystifier tout ça. C’était donc le nom de travail du projet : Smallville (La Ciotat) Tapes (cassettes).

L'artwork de l'album est magnifique. Tu peux nous en dire plus sur l'illustrateur, l'histoire derrière cette œuvre et votre rencontre ?

Merci ! J’aime bien les images en général et les vieilles photos en particulier, donc quand il a fallu réfléchir à la pochette, j’ai cherché des images dans des vieux bouquins à moi et je suis tombé sur cette collision entre l’image de la plage et l’autocollant avec le studio. C’était vraiment une épiphanie pour moi, ça représentait super bien ces quelques jours à La Ciotat où j’enregistrait les batteries dans ma petite pièce plutôt que d’aller m’amuser à la plage. Le contraste intérieur/extérieur, clim/canicule, vacances/travail, foule/solitaire me semblait bien drôle et correspondait finalement à la façon dont le disque est né. Ensuite j’ai donné une sélection d’images à Jean-Philippe Bretin, que je connais grâce à Karaocake, pour qui il avait réalisé un clip. On se croise depuis un moment - on a des amis communs -, il a travaillé sur la pochette d’un disque de Ricky Hollywood qui jouait de la batterie avec Egyptology pendant quelques temps. Il a repris et amélioré le collage de base, et a trouvé toutes les déclinaisons pour le dos et la sous-pochette. Il a vraiment su pousser l’idée de base beaucoup plus loin, ça correspond à ce que j’avais en tête sans le savoir : un geste assez brut, simple, un peu idiot et poétique. J’adore le résultat.

Où en est-tu avec tes projets parallèles : Centenaire, Karaocake et Egyptology ?

Centenaire est en sommeil profond, même si on reste amis. Chacun a moins de temps à consacrer au projet donc on a arrêté pour le moment. Karaocake a sorti un album chez Objet Disque l’année dernière, et on essaye de faire des concerts. Et Egyptology a enfin fini son album, on est très fiers, il devrait sortir d’ici quelques mois. Je joue aussi dans le "Morricone Moonshine Pop Ensemble", un groupe de reprises d’Ennio Morricone, et j’accompagne au clavier Xavier Boyer, chanteur de Tahiti 80 dont j’ai produit et mixé l’album solo l’année dernière.

Avec quinze années de carrière, on a l'impression que chaque album est pour toi un défi, avec à chaque fois un nouveau concept, avec des limites imposées. Tu le vois comme ça ?

Défi, c’est un bien grand mot, mais en effet j’aime bien essayer de ne pas me répéter. L’idée de travailler sous contrainte me semble intéressante pour renouveler un peu ma pratique et mon approche, ne serait-ce que de se trouver des limites matérielles comme le fait de travailler aux 4 pistes pour les Fourrure Sounds. Je trouve ça assez épanouissant au final de cadrer un tout petit peu les choses, ou plutôt désinhibant. C’est comme si tu n’étais pas totalement auteur de ton travail puisque quelque chose d’arbitraire a déjà tracé une direction pour toi. Du coup, l’enjeu semble moindre peut-être ; tu réagis à un matériel, une situation, plutôt que de pouvoir partir dans n’importe quelle direction. Ça oblige à prendre des décisions, faire des choix très tôt qu’il faut assumer et ça permet de ne pas se perdre dans des détails. De la même manière, j’aborde un peu la composition comme ça, en me disant par exemple "la ligne de basse de ce morceau ne va faire que monter", ou bien "elle va utiliser toutes les cases de la corde de mi à un moment ou à un autre". Il y a aussi un morceau où je tente de faire toutes les permutations majeur/mineur sur deux accords en boucle. Ce sont des petits exercices idiots mais qui aident à suivre une direction, après j’essaye de trouver des mélodies qui vont faire sens sur ces choix de compositions un peu arbitraires.

Beaucoup d'artistes, comme Forever Pavot, te citent comme une référence culte, mais tu restes encore un artiste de l'ombre. Cette place te convient-elle ou c'est parfois frustrant ?

Ouh là là... culte, je pense que tu vas un peu loin. C’est sans doute juste dû au fait que je persévère malgré l’absence de succès. J’aime faire de la musique, c’est vraiment des moments privilégiés quand tu travailles sur quelque chose de personnel, tu t’oublies un peu, tu sors du temps, tu produits quelque chose sans avoir l’impression de travailler. J’adorerais pouvoir me consacrer pleinement à la musique, sortir des disques plus facilement et plus vite. Je rêve du salaire universel pour ça, d’ailleurs ! Donc oui, parfois je suis insatisfait parce que je suis obligé de faire d’autres choses alors que j’aimerais bosser sur un morceau à la place mais bon, je n’ai vraiment pas à me plaindre.

Avec tout ces projets et ta participation à d'autres groupes, que fais-tu quand tu ne fais pas de musique ?

Je donne des cours de son et video dans une école d’arts appliqués, c’est mon vrai gagne-pain et c’est aussi un travail intéressant. J’aime bien essayer de transmettre des choses, même si je ne suis pas un vrai pédagogue. Sinon je travaille comme mixeur/producteur sur les disques des gens qui me le demandent, dans mon petit studio, c’est très variable de ce côté-là.

Quels sont tes projets pour cette nouvelle année ?

Monter un groupe et répéter pour jouer Smallville Tapes en concert, finir la version disque de la BO d’un court métrage (Friendship Without Love de Sébastien Auger), finir un disque un peu ambiant construit autour du Fender Rhodes et trouver un label pour ça, terminer une cassette de morceaux solo électronique live à sortir chez Err Rec.

Un dernier mot ?
Choucroute.

Photo : Maria Daniela Quiros

Mixtape

Tracklist

Domotic – Smallville Tapes (Gonzaï Records, 24 novembre 2017)

01. Repos forcé
02. Fréquence fuzz
03. Terrain vague
04. Cinquième étage
05. Luminosité variable
06. Département inconnu
07. Rite de passage
08. Cocktail étrange
09. Investigation préliminaire
10. Pierre angulaire
11. Injection


Technical Kidman

Okay, on sait. On fait plus sortant du bleu. On sait puisqu'on avait déjà parlé du trio montréalais dans nos colonnes (lire), mais c'était il y a un bout de temps alors disons qu'il y a prescription désormais. Le fait est que les trois amis ont sorti un nouvel album en novembre dernier, un truc bien chouette, aux sons acerbes et à électronique bien mâchée, qui s'appelle Bend Everything et qui mérite qu'on s'y arrête. Car ce nouveau bout dégouline d'une matière sonore qu'on voudrait malaxer pendant des heures. Pour tout savoir, le skeud a été enregistré à l'Hotel2Tango aux côtés de Radwan Ghazi-Moumneh (Jerusalem In My Heart). Et pour en savoir encore plus, Mathieu dit tout ci-dessous. Start now !

D’où venez-vous ?
Where do you come from?

Montréal.

Montreal.

Où allez-vous ?
Where are you headed?

Travailler.

Working.

Pourquoi la musique ?
Why music?

C’est ce qui m’intéresse le plus.

It is what interests me the most.

Et si vous n’aviez pas fait de musique ?
And if music wasn’t your thing?

Cinéma, arts visuels, physique.

Cinema, visual arts, physics.

Une épiphanie personnelle ?
An epiphany of yours?

Personne ne sait réellement ce qu’il ou elle fait.

No one knows what he/she is doing for real.

Une révélation artistique ?
Your artistic breakthrough?

Les imprévus, c’est intéressant, ça ne sert à rien du tout contrôler.

The unforeseen is interesting, it helps control nothing.

Le revers de la médaille ?
Any downside?

La remise en question.

Questioning.

Y a t-il une vie après la mort artistique ?
Is there life after artistic death?

Je ne connais personne qui est mort artistiquement, ni mort tout court d’ailleurs, alors je suppose que non.

I don't know anymore who has died artistically, nor die, I guess not then.

Un rituel de scène ?
Your pre-stage ritual?

J’en avais plus avant, mais finalement ça ne servait à rien.

I used to have more before, but it was useless in the end.

Avec qui aimeriez-vous travailler (musique et hors musique) ?
Who would you work with (musically or not)?

Jenny Hval, Oneohtrix Point Never.

Quel serait le climax de votre carrière artistique ?
What would be the climax of your career?

Domination mondiale totale.

The complete domination of the world.

Retour à l’enfance, quel conseil vous donnez–vous ?
Back to your childhood – what piece of advice would you give your young self?

Commence maintenant.

Start now.

Comment vous voyez-vous dans trente ans ?
How do you see yourself thirty years from now?

Moins pauvre, plus audacieux et mieux habillé.

Less poor, more audacious and better dressed.

Un plaisir coupable ou un trésor caché ? (musique ou hors musique)
Your guilty pleasure or hidden treasure (musically or not)?

Bob Ross.

Écoute exclusive

Audio

Tracklist

Technical Kidman - Bend Everything (10 novembre 2017)

01. Heat In The Blood
02. Mercedes
03. Constructions
04. Offices
05. Radiate
06. Bend Everything
07. Current In The Vein
08. Wavering


Honey Harper

C'est derrière un voile lynchéen, un brin mystérieux, hors du temps et ténébreux, que se cache le projet Honey Harper. Composé avec application et chanté de voix de maître, Universal Country évoque mille lieux sur les terres londoniennes ou américaines. Les espaces se devinent immenses et bienveillants dans la nuit noire, à peine éclairés par les phares d'une voiture qui roule depuis trois ans. Une poignée d'années arrosée d'essence, de traversées (qu'on imagine) solitaires et de la poésie nostalgique qu'ont les gens dont la vie fut chargée en aventures. Universal Country de Honey Harper est un joli et doux recueil à paraître le 10 novembre sur le label montréalais Arbutus, qu'on accompagne aujourd'hui d'une mixtape concoctée sous le signe de la longévité : « it's a playlist through the centuries »...

D’où venez-vous ?
Where do you come from?

Adel, Géorgie via Miami, Floride via Atlanta, Géorgie via Londres, Royaume-Uni.

Adel, GA via Miami, FL via Atlanta, GA via London, UK.

Où allez-vous ?
Where are you headed?

Rester tranquille un moment.

Staying still for a while.

Pourquoi la musique ?
Why music?

Parce que je ne suis pas sûr de savoir quoi faire d'autre.

I'm not sure what else to do.

Et si vous n’aviez pas fait de musique ?
And if music wasn’t your thing?

De la science.

Science.

Une épiphanie personnelle ?
An epiphany of yours?

J'aurais aimé que ce soit la mienne, et même s'il est évident qu'être honnête dans ma musique semble m'avoir propulsé un peu plus loin.

I wish it was mine, and though it's obvious being honest in my music seems to have propelled me a bit further.

Une révélation artistique ?
Your artistic breakthrough?

La pedal steel.

Pedal Steel.

Le revers de la médaille ?
Any downside?

Aucun.

No.

Y a t-il une vie après la mort artistique ?
Is there life after artistic death?

Bien sûr, je l'attends avec impatience.

Of course, I look forward to it.

Un rituel de scène ?
Your pre-stage ritual?

Un double vodka-soda.

Double vodka-soda.

Avec qui aimeriez-vous travailler (musique et hors musique) ?
Who would you work with (musically or not)?

Gram Parsons, Luca Guadagnino.

Gram Parsons, Luca Guadagnino.

Quel serait le climax de votre carrière artistique ?
What would be the climax of your career?

Je pense être le genre à rechercher un autre climax, donc ce serait probablement le sentiment de n'avoir plus besoin d'aller plus loin.

I think I am person looking for another climax, so it would probably be the feeling that I no longer need to keep going further.

Retour à l’enfance, quel conseil vous donnez–vous ?
Back to your childhood – what piece of advice would you give your young self?

Arrête d'essayer de rendre tout le monde heureux.

Stop trying to make everyone happy.

Comment vous voyez-vous dans trente ans ?
How do you see yourself thirty years from now?

N'importe où avec Bambi.

Anywhere with Bambi.

Comment voyez-vous évoluer votre musique ?
How do you see your music evolve?

Lentement mais sûrement.

Slowly but surely.

Un plaisir coupable ou un trésor caché ? (musique ou hors musique)
Your guilty pleasure or hidden treasure (musically or not)?

Gigi D’agostino.

Gigi D’agostino.

Écoute exclusive

Audio

Tracklist

Honey Harper - Universal Country (Arbutus Records, 10 novembre 2017)

01. Pharaoh
02. Secret
03. SOFR
04. Man Is A Luxury


Kaade

Retour sur la scène bouillante de Toronto avec Kaade le nouveau projet de la productrice et performer Kat Duma qui s'apprête à sortir un premier EP 'Encounter With Power' sur le label Security Co-op - mené par le collectif dont elle fait parti avec entre autres Talvi Faustmann (moitié de Prince Innocence) et Kayla Devito. Enregistré entre Berlin et la cité de l'Ontario, les deux précédents titres sortis au fil de ces derniers mois oscillaient entre post-punk obscur et pop minimale le tout éclairé par une voix hypnotisante. Découvrez les réponses de Kat Duma à notre interview Out of the Blue et écoutez en exclusivité son nouveau titre 'Breathing'. Enjoy !

Photo: Nadia Khashan

PREMIERE

https://soundcloud.com/kkaade/breathing/s-JREn9

Interview

D'où viens-tu ?
Where do you come from?

Belgrade, mais j'ai grandi à Toronto.

Belgrade. But raised in Toronto.

Où vas-tu ?
Where are you headed?

Je cherche encore !

Still figuring it out!

Pourquoi la musique ?
Why music?

Rien d'autre ne semble me rendre véritablement heureuse.

Because nothing else seems to make me genuinely happy.

Et si tu n'avais pas fait de musique ?
And if music wasn’t your thing?

Je ne suis pas sure, probablement quelque chose dans le milieu des "affaires" (c'est ce que j'ai étudié à l'école).

Not sure, probably “business.” (It’s what I studied in school)

Une épiphanie personnelle ?
An epiphany of yours?

Si tu arrêtes d'attendre après les autres et commence à faire les choses toi-même, les choses se font réellement !

That if you stop waiting on other people and start doing things yourself, things actually get done!

Une révélation artistique ?
Your artistic breakthrough?

J'ai réalisé que je n'ai pas à correspondre à la perception de qui que ce soit sur ce à quoi je suis censée ressembler.

Realizing that I don’t have to cater to anyone else’s perception of what I’m supposed to sound like.

Le revers de la médaille ?
Any downside?

Il n'y en a pas.

Not at all.

Y a t-il une vie après la mort artistique ?
Is there life after artistic death?

Oui je pense. Cela semble moins stressant.

Yes, I think so. Seems less stressful.

Un rituel de scène ?
Your pre-stage ritual?

Je me rejoue le set dans ma tête et je relis toutes les paroles. Je n'ai jamais oublié les paroles de mes chansons mais j'ai toujours peur que ça m'arrive. Je pense que 'est parce que j'avais l’habitude de faire une reprise d'une chanson en concert et à chaque fois j'inversais les couplets. Ce qui est pire vu que c'est une reprise et que le public connait les paroles...

I go over the set in my head and re-read all the lyrics. I’ve never forgotten a lyric (of mine) but I’m always paranoid I will. I think it’s because I used to cover a song live and literally every single time I would switch the order of the verses. Which is so much worse because it’s a cover and the audience actually knows the lyrics…

Avec qui aimerais-tu travailler (musique et hors musique) ?
Who would you work with (musical or not)?

J'aimerais travailler avec Nidia Minaj, Gudrun Gut et Rihanna.

I’d like to work on a track with Nidia Minaj, Gudrun Gut and Rihanna. 

Quel serait le climax de ta carrière artistique ?
What would be the climax of your career?

Je ne veux pas que ce soit quelque chose auquel j'ai à penser maintenant, donc à déterminer. 

I don’t want it to be anything I can think of now, so TBD.

Retour à l’enfance, quel conseil te donnes–tu ?
Back to your childhood – what piece of advice would you give your young self?

Tu n'as pas besoin de producteur.

You don’t need a producer.

Comment te vois-tu dans trente ans ?
How do you see yourself thirty years from now?

Heureuse et accomplie, j'espère.

Happy and fulfilled, hopefully.

Comment voyez-vous évoluer votre musique ?
How do you see your music evolve?

J'écoute beaucoup de musique différente et je suis toujours en train de la musique, donc mon son tend à changer de façon que je ne peux vraiment prédire. Ceci étant dit, j'espère pouvoir continuer à m'améliorer techniquement.

I listen to a lot of different music and I’m basically always listening to music, so my sound tends to shift in ways I can’t really predict. I do hope I keep improving technically.

Un plaisir coupable ou un trésor caché (musique ou hors musique) ?
Your guilty pleasure or hidden treasure (musically or not)?

Mon plaisir coupable... Peut-être manger du cottage cheese à la cuillère. Cela semble dégouter beaucoup de personnes (je ne sais pas pourquoi).

My guilty pleasure…Maybe eating cottage cheese with a spoon because that seems to gross people out (idk why).

Audio


François Floret (Route du Rock), l'interview bilan

Sur la base d'une programmation 2017 tout à fait affriolante, la Route du Rock aura tenu globalement ses promesses musicales tandis qu'éclatait le « fumiergate », mettant ainsi au grand jour les fortes tensions entre le festival et la mairie qui l'accueille après qu'un agriculteur a déversé du fumier sur ses terrains en guise de message de bienvenue aux festivaliers. Une situation de merde donc, obligeant l'équipe de la Route du Rock à envisager contre son gré un déménagement futur. Outre ces péripéties, on retiendra surtout que cet été, la RDR nous aura permis de prendre l'apéro en compagnie d'Arab Strap dans une forme éblouissante, de constater que The Jesus & Mary Chain est bien vivant et branché sur courant alternatif, que ce gredin de Car Seat Headrest a définitivement un foutu talent, qu'on aime ce branleur de Mac DeMarco qui arrive à nous faire chanter du Vanessa Carlton (MAKING MY WAYYY DOWNTOWWWN !!!) ou encore qu'il est bien trop tôt pour enterrer Interpol qui a rappelé à toute berzingue qu'ils possédaient une palanquée de bonnes chansons qui, contrairement à leurs auteurs, ne prennent pas une ride. Mention spéciale également pour notre chouchoute Helena Hauff qui aura injecté ce qu'il faut de rigueur électronique au bon moment. Quoi qu'il en soit, il convenait donc de faire le bilan avec François Floret, directeur du festival malouin, remonté comme une pendule mais toujours aussi motivé pour défendre sa RDR et continuer à écrire l'histoire d'un rendez-vous presque trentenaire et toujours vert. Bref, vivement l'an prochain, en espérant y respirer davantage d'embruns que de purin.

François Floret l'interview

Cette histoire de tas de fumier est devenue anecdotique une fois que la presse s'en est emparée, non ? L'agriculteur est devenu assez vite la risée de tous...

Pour le public fidèle du festival peut-être, ils viennent voir d’abord de super concerts. Mais hélas pas en local, où cela prend une autre tournure. Nous aurions sans doute dû nous taire et dire merci pour que cela ne dégénère pas. Nous nous devions pourtant d’expliquer le pourquoi d’une telle connerie. Hors de question que les festivaliers imaginent que nous étions responsables d’un tel accueil. Quelle symbolique...

Pour autant, cette affaire a agi comme un détonateur qui a mis à jour des conflits plus profonds. Pourquoi cette soudaine flambée de tensions si celles-ci existent depuis plusieurs années sans avoir provoqué plus de remous que cela ?

Parce que jusque là, les tensions permanentes avec cet agriculteur n’étaient pas vraiment visibles. On prenait beaucoup sur nous. C’était usant. Là c’est la provocation de trop et nous pensons que le maire est responsable parce qu’il a laissé les choses dégénérer. Ces conflits récurrents ne sont pas d’hier.

Il apparaît que le vrai problème se cristallise surtout autour de la relation qui vous oppose à Jean-Francis Richeux, maire de Saint-Père-Marc-En-Poulet, commune propriétaire du Fort Saint-Père. Celui-ci reproche notamment au festival d'en demander toujours plus sans contribuer financièrement à quoi que ce soit... Qu'en est-il ?

On a multiplié les réunions cette année pour justement aplanir les problèmes et nous pensions vraiment qu’elles pouvaient améliorer les choses. Mais les paroles n’ont jamais été concrétisées dans les faits et, pire, nous entendons de plus en plus souvent M. Richeux déclarer dans notre dos qu’il a hâte de nous voir partir du site, qu’on ne fait plus partie de ses projets, qu’on ne lui rapporte rien à part des emmerdes... Au bout d’un moment, c’est pesant. On lui demande de le dire en face et aux journalistes devant qui il n’a pas du tout le même discours. On a juste l’impression de perdre du temps en réunion et d’être manipulés (il ne pouvait soi-disant pas contrôler son ami d’enfance qui nous a déversé du purin). Quant au fait d’en demander plus, c’est surréaliste puisque, bien au contraire, tous les ans nous perdons de vieux acquis, des locaux (avant cette affaire, on nous a demandé d’enlever tout notre matériel stocké dans le Fort depuis des années dans une casemate – il n’y a plus rien de la RDR dans le Fort). Et le plus important : les gratuités dont nous bénéficions sont l’objet d’une convention passée avec la mairie de Saint-Père, Saint-Malo Agglomération et le Conseil départemental d’Ille-et-Vilaine dans le cadre des travaux effectués en 2015. Elles sont parfaitement connues et acceptées depuis l’élaboration de cette convention. Le reste, c’est de la com' pour ceux qui n’ont pas envie de réfléchir quand ils lisent l’article de JF Richeux. On n’a rien de plus que ce qui est écrit dans cette convention et celle, complémentaire, qu’on passe tous les ans avec la mairie - copiée-collée depuis des années.

Le maire vous invite à « aller voir ailleurs » si l'herbe est plus verte. Le festival a-t-il réellement les moyens de déménager ? Et n'y perdrait-il pas une part de son identité ?

Les moyens, oui... tout s’organise dans l’absolu. Perdre de son identité, c’est sûr. Mais il faut m’expliquer comment on peut organiser un festival sans terrains extérieurs (en 2018, JL Lecoulant nous refusera toujours ses champs et les autres terrains seront en culture) et dans une telle hostilité. Nous n’envisageons pas du tout de quitter le site mythique du Fort Saint-Père. Là-dessus, on est parfaitement d’accord avec notre public et tous nos partenaires. Après, même si je parle pour toute l’équipe (j’insiste !), mon rôle m’oblige à envisager le pire et réfléchir à un plan B. Ailleurs, forcément. Mais ne nous trompons pas, ce ne serait pas de notre initiative et de gaieté de cœur. Nous sommes insidieusement chassés du Fort depuis ces dernières années, surtout depuis 2015.

A contrario, que gagnerait la Route du Rock à déménager ?

Sans doutes des relations normales avec les accueillants, et de l’énergie.

Passée une convention courant jusqu'à 2020, le maire menace de vous réclamer des loyers pour les locaux et terrains environnants si vous êtes toujours là... Et l'atmosphère ne risque pas de se détendre beaucoup dans les années à venir, si ? Comment les choses peuvent-elles désormais rentrer dans l'ordre ?

Aucune idée. On l’a écrit (le communiqué est celui de toute l’équipe), nous avions besoin de vider notre sac mais sommes toujours positifs. La fin du communiqué précise que nous voulons impliquer les populations, prises en otage de ces pénibles conflits. J’ai cette année demandé à acheter 50 % de nos besoins en boulangerie/pâtisserie à Saint-Père (les autres 50 % à côté, à Châteauneuf) et je crois que l’épicerie de Saint-Père a invité les festivaliers à venir chez elle (sympa, c’est une première). Enfin, j’ai l’idée depuis des années de proposer un système Airbnb sur la commune de Saint-Père, qui permettrait de créer du lien entre les habitants et notre adorable public et, accessoirement, de gagner un peu de sous. Mais je pense que les gens de Saint-Père ne le savent pas parce qu’on nous refuse tout contact avec le conseil municipal. M. Richeux reste le seul filtre de communication, il ne parle pas de cela à ses concitoyens et raconte ce qu’il veut. En fait, personne ne nous connaît vraiment à Saint-Père !

Intéressons-nous davantage au contenu : quel bilan tirez-vous de cette édition qui a attiré cette année plus de 36 000 spectateurs, un gros chiffre pour la Route du Rock ?

Oui. Nous nous sommes rendu compte que depuis des années nous étions trop modestes et ne parlions que des entrées payantes du Fort. Ce chiffre correspond donc, à quelques centaines près, au nombre de visiteurs du jeudi au dimanche, sur l’ensemble des spots de la RDR, payants et gratuits. Ça reste malgré tout un chiffre important, le troisième meilleur de l’histoire du festival ! Nous sommes donc satisfaits même si on pouvait espérer plus avec une telle programmation.

Vous avez, je crois, presque doublé la ligne budgétaire pour la rémunération des artistes afin d'attirer plus de monde. Au final, et notamment d'un point de vue comptable, le jeu en valait-il la chandelle ?

Assurément, oui. On sera a priori équilibrés, le festival a retrouvé du peps, on a vu des concerts exceptionnels. Le seul regret, encore une fois, est de ne pas avoir fait encore mieux.

C'est l'arrivée du No Logo BZH, avec qui vous avez mutualisé vos installations, qui vous a permis un plus gros investissement sur les groupes ? Quid de ce partenariat si vous deviez bouger ailleurs ?

C’est une simple mutualisation. A priori une première (réussie) dans le monde des festivals ! Tout va bien entre nous. On fait actuellement les bilans ensemble. On verra comment évoluent les situations mais, de notre côté, nous sommes partants pour une seconde version en 2018.

Est-ce à dire que la survie du festival passe forcément par la venue d'artistes plus populaires, forcément plus chers ? Comment tenir dans ce cas l'équilibre entre l'exigence artistique qui caractérise habituellement le festival et velléités plus populaires pour appâter le chaland ?

Comme nous l’avons fait cette année. L’équilibre était parfait et tant les fidèles que les nouveaux festivaliers ont été scotchés (comme nous) par les équilibres et la qualité des concerts. L’essentiel étant de savoir bien mettre le curseur. Jusqu’où devons-nous faire des efforts et seront-ils au minimum équilibrés ? Et évidemment, les groupes respectent-ils bien l’ADN du festival ?

Le risque n'est-il pas de tomber dans une gémellité de line-up qu'on reproche à beaucoup de raouts estivaux ?

Non. Sûr à 100 %. Je n’ai pas vu de line up proche du nôtre cet été. Nous savons ce qu’est l’ADN de la Route du Rock et ce qui ne l’est pas.

Cette année, il y a eu finalement peu de musiques électroniques au Fort, à part la machine Soulwax et Helena Hauff. Est-ce une volonté ou purement conjoncturel ?

Il y a eu aussi Shadow et, dans l’électro-pop, Future Islands. Mais oui, je suis d’accord, il manquait une touche supplémentaire en électro. Ce n’est pas une volonté, on essaie toujours en priorité d’avoir des ovnis comme Soulwax mais il n’y en pas des milliers.

Pour vous, quel a été le meilleur concert de cette édition 2017 ?

Sans hésiter, Soulwax et Idles. Puis Thee Oh Sees, Helena Hauff et PJ Harvey. Mais c’est personnel.

Forcément, on est aussi obligé de vous demander votre plus grosse déception...

DJ Fumier.

Dans une interview (lire) qu'il nous avait donné après son passage en 2014, Baxter Dury avait fait part de son enthousiasme sur le festival en nous expliquant qu'il ressentait qu'il y avait une réelle « intention » ici. Comment expliqueriez-vous en mots cet état d'esprit, cette atmosphère particulière s'agissant du festival ?

Il a tout dit. Je cherchais à l’expliquer. C’est bien ça, il y a une véritable « intention ». Le festival est notre œuvre d’art, peaufinée dans tous ses domaines. La passion des organisateurs que nous sommes, additionnée à celle du public. Les artistes ne peuvent que ressentir cette fièvre collective et je pense que, souvent, ça transcende leurs shows et rend particulier leur passage chez nous. Ils en reparlent souvent en interview et autour d’eux, ce qui nous aide forcément à préserver l’identité du festival, sa grande spécificité.

Un dernier mot ?

On est totalement hallucinés des retours presse de la RDR. Un grand merci parce que c’est grâce à ceux qui comprennent bien notre quête du Graal, qu’on continue d’avancer contre vents et fumiers.


Focus Berlin Atonal 2017 : Emptyset, l’interview

Décidément, Bristol est la ville à arpenter ces derniers temps afin de dénicher les vrais talents de la musique de demain. En un tout petit peu plus de dix ans de carrière, Emptyset a réussi à se forger une solide réputation, se basant sur une identité forte et puisant sa force autant dans la techno traditionnelle que dans l’expérimentation la plus tentaculaire. Leur dernier succès en date, Borders, paru sur Thrill Jockey, tranche quelque peu avec Recur, sorti il y a quatre ans sur Raster-Noton. Avec Borders, Emptyset s’affranchit des codes pour nous offrir une œuvre terriblement mentale tout en gardant une ouverture dancefloor. Rencontre avec ces deux perfectionnistes qui nous en disent un peu plus sur leur façon de travailler et leur exigences musicales.

Hi guys, expliquez-nous comment vous êtes tombés dans la techno ?
Hi guys, tell us how you got into techno?

Nous nous sommes tous les deux intéressés à la techno, la musique électronique et la musique de club lorsque nous étions à Bristol. Des rencontres fortuites avec des artistes comme Jeff Mills ou Claude Young ont vraiment éveillé notre intérêt au-delà de ce que nous a apporté cette ville. Dès lors, il fallait qu’on explore cette musique qui venait de Detroit, Chicago aussi bien que Berlin. L’important était le rythme, la production et les systèmes sonores, c’est sûrement plus tard qu’on a commencé à réfléchir davantage à la façon dont la musique électronique est reliée à l'urbanisme et à l'anthropologie, ainsi qu'aux sonorités liées aux espaces physiques.

We both arrived at an interest in electronic music, techno and club music through our time in Bristol. Of particular interest were chance encounters seeing people like Jeff Mills or Claude Young play that definitely sparked an interest in music occurring beyond the city. From there it became about exploring this music that was coming out of Detroit and Chicago as well as Berlin. Ideas of rhyhthm, production and sound systems, then perhaps later thinking more about how electronic music connected to urbanism and anthropology as well as how sound related to physical spaces.

En quelques années, Bristol s’est convertie de capitale du trip-hop à celle de la techno-expé, que s’est-il passé en dix ans ?
In a few years, Bristol converted from trip-hop to techno-expé music capital, what happened in ten years?

Nous sommes tous deux basés à Londres et à Berlin maintenant, alors nos observations sur les changements de Bristol sont un peu éloignées, mais dans l'ensemble, il semblait qu’il y ait émergence de la bass music et une résurgence d'intérêt pour la house et la techno créant une ouverture de la ville vers l’extérieur. Ensuite, cette nouvelle approche a coïncidé avec un nouvel afflux de producteurs qui ont ensuite commencé à fusionner leur propre approche sonore avec la culture musicale appartenant à Bristol. En fait, ce qui est peut-être le plus impressionnant à propos de Bristol, c'est la quantité de musique qui y est produite par rapport à la population et à la taille de la ville, ce qui en fait un endroit très spécial.

We are both based in London and Berlin now so our observations of Bristol’s changes have been a little from a distance, but overall it seemed the rise in bass music and a resurgence of interest in house and techno created a more outward looking focus for the city. Then this new approach coincided with a new influx of producers that then began to merge their own approaches with Bristol's existing culture of music making. Overall what is perhaps most impressive about Bristol is the amount of music that gets made there relative to the population and size of the city, on those terms it's a very special place.

Vous faites partie de ces rares artistes qui privilégient la mélodie à la rythmique, pourquoi ce choix ?
You are one of those rare artists who prefers melody to rhythmic, why this choice?

Notre manière de faire de la musique s’est souvent axé sur les structures et la façon dont les éléments sonores de base interagissent et affectent les systèmes technologiques ou architecturaux. L'intérêt a été l'utilisation du son en tant que matériel, en explorant comment le ton et le rythme correspondent et se répercutent les uns sur les autres dans différents cadres et contextes.

Our approach to music making has often been focused on structures and how basic sonic elements interact and affect a technological or architectural system. The interest has been the use of sound as a material, exploring how tone and rhythm correspond and impact upon eachother within different frameworks and contexts.

Vous avez travaillé avec des labels très différents (Raster-Noton, CLR, Subtext, etc.), multipliant les étiquettes. Comment travaillez-vous en binôme et qu’est-ce qui définit le son que vous avez à tel ou tel morceau ?
You worked with very different labels (Raster-Noton, CLR, Subtext, etc.), multiplying the styles. How do you work in pairs and what defines the sound you go into this or that piece?

L’idée de base était de diviser les matériaux qui serviraient à un contexte plus studio pour Raster-Noton et ceux servant à des projets plus spécifiques comme Material et Medium, réalisés via Subtext. La méthode de conception et d'enregistrement de tel truc a généralement déterminé le contexte dans lequel elle sera réalisée. Donc si quelque chose a l'air d'avoir demandé une approche plus complexe par rapport à nos méthodes habituelles de travail dans un studio d'enregistrement, nous cherchons un moyen plus approprié pour l’exprimer.

The general approach has been dividing the idea of a studio based production process such as the material for Raster-Noton with more site-specific projects such as Material and Medium that were released on Subtext. The method of how something was made and recorded usually determines the context in which it will be released. So if something feels like it has a more expanded approach beyond the usual methods of working within a recording studio, then we look at an appropriate way to present it.

Votre dernier album, Borders, est paru sur Thrill Jockey. Au-delà de la visibilité, c’est essentiellement le franchissement d’un cap. Emptyset a toujours été reconnu comme un groupe à part dans la scène techno, est-ce pour vous un nouveau moyen de s’affranchir de cette musique et de revendiquer votre propre identité musicale ?
Your last album, Borders, was published on Thrill Jockey. Beyond the visibility, it’s essentially a crossing time. Emptyset has always been recognized as a group apart in the techno scene, is this a new way for you to get rid of this music and to claim your own musical identity?

Borders a été élaboré avec l'intention de trouver une nouvelle façon de travailler et de jouer ensemble. Nous voulions toujours jouer avec l'électronique, mais pour façonner ces sonorités nous voulions la combiner avec une méthode à la fois acoustique et une approche plus tactile. De même, nous voulions aborder des idées liées à l'anthropologie musicale et à l'expérience collective, et Borders a créé dans cette approche de recherche. L'album nous a définitivement permis de nous affranchir du carcan de la musique électronique habituelle, pour élargir encore l'esthétique sonore d'Emptyset.

Borders was developed out of an intention to find a new way of working and performing together. We still wanted to work with electronics but wanted to combine it with an acoustic method and a more tactile approach to shaping sound. Equally we wanted to address ideas connecting to musical anthropology and collective experience and Borders created an investigative framework for this. The album definitely initiated an opportunity to expand the sonic aesthetic of Emptyset outside of the familiar history of electronic music.

Vous participez cette année au festival Berlin Atonal qui, pour beaucoup, est un tremplin, une expérience ou un moyen d’expérimenter de nouveaux projets. Comment vous projetez-vous dans ce festival ?
You are participating this year at the Berlin Atonal festival which, for many, is a springboard, an experience or a way of experimenting new projects. How do you plan yourself in this festival?

Le site du Kraftwerk est un espace très particulier pour expérimenter la musique et cette année le festival aura une installation de projection spéciale toute la durée du programme. Donc, en réponse, nous travaillerons avec notre équipe visuelle pour créer une performance élargie que nous présenterons cette année.

The site of the Kraftwerk is a very particular space for experiencing music, and this year the festival will have a special projection install for the duration of the programme. So in response we will be working with our visual team on creating an expanded performance that we will present at Atonal this year.

Avez-vous déjà pensé à collaborer avec d’autres artistes, mis à part Cornelius Harris ? Pour vous, quel serait le side-project parfait ?
Have you ever thought of collaborating with other artists than Cornelius Harris? What would be the perfect side-project for you?

La collaboration avec Cornelius était très spéciale. Nous avons un énorme respect pour la musique de Detroit, ce qui a été un projet très particulier à l'époque. À l'avenir, nous n'avons pas de plans concrets concernant des collaborations musicales, mais plutôt que d'autres artistes, il serait peut-être intéressant de collaborer avec des personnes d'autres domaines d'expertise technique, comme des ingénieurs ou des fabricants d'instruments.

The collaboration with Cornelius was very much a special one off. We have an enormous respect for Detroit music so it felt like a very special project at the time. Going forward we have no current plans for musical collaboration, however rather than other artists perhaps it would be more about collaborating with people from other fields of technical expertise such as engineers or instrument makers.

À quoi ressemblera votre set à l’Atonal ?
What will your Atonal set look like?

Nous allons travailler sur une performance spéciale spéciale pour l'Atonal, en collaboration avec Sam Williams et Clayton Welham. À ce jour, ils ont travaillé ensemble sur beaucoup de nos vidéos et des performances live, ce qui constituera une réalisation spéciale de ce travail qui utilisera multiples projecteurs du Kraftwerk. Musicalement parlant, ce sera une représentation de notre travail tournant autours de notre dernier album, Borders.

We will be working on a special expanded performance for Atonal in collaboration with Sam Williams and Clayton Welham. They have worked together on many of our videos an live performances to date, so this will be a special realisation of this work for the Kraftwerk using multiple projectors. Musicallly it will be presenting material from our recent album, Borders.

Avec Borders, vous avez placé la barre très haute, à quoi doit-on s’attendre pour vos prochaines sorties ?
With Borders, you set the bar very high, what should we expect from your next outings?

Nous venons de terminer un nouveau EP pour Thrill Jockey qui sortira en octobre. Celaui-ci reprend certaines des idées et instrumentation de Borders aussi bien qu’il s’inspire de notre récente prestation pour la Fondation des Arts David Roberts, à Londres. Donc ce nouvel enregistrement rassemblera plusieurs domaines de recherche et pratiques et les formalisera autour d’une exposition singulière.

We have just completed a new EP for Thrill Jockey that will be released in October. This has been taking some of the ideas and instrumentation of Borders as well as a recent performance commission for the David Roberts Art Foundation, in London. So this new recording will be bringing together several areas of a our research and practice and formalising them into a singular statement.

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Focus Berlin Atonal 2017 : Roll The Dice, l’interview

Que celui qui ne connaît pas Roll The Dice lève le doigt, on fera un dossier sur le sujet à la demande. Roll The Dice, c’est la combinaison parfaite des deux superproducteurs suédois Peder Mannerfelt et Malcolm Pardon. Quoi, ça ne vous dit toujours rien ? Pourtant, au-delà de sa suractivité qui lui a valu d’être cité dans tous les tops de l’année 2016, Peder s’est fait connaitre sous le pseudo de The Subliminal Kid et a produit et accompagné des groupes comme Fever Ray notamment. De son côté, Malcom est connu pour pour la structure DeadMono, qui a permis l’émergence de groupes pop comme Eskobar, et pour son implication dans le post-punk suédois. Leur dernier album, Born To Ruin, est un condensé d’expé-jazz, de furiosité électro, de downtempo âcre. Ils participeront cet été au festival Berlin Atonal. On a forcement voulu s’entretenir avec ces dieux nordiques de la zik électronique et comprendre leur manière de travailler. Attention, pros à l’œuvre.

Salut à vous deux, pouvez-vous nous parler de votre rencontre ? Comment vous est venue l’idée de Roll The Dice ?
Hello you two, can you tell us more about how you first met ? How did you come up with the idea of Roll The Dice?

Nous nous connaissions brièvement déjà, grâce à des connexions mutuelles, mais c'était d'abord lorsque nous nous sommes installés dans le même espace de studio, que nous partageons encore aujourd'hui avec quelques autres, que nous nous sommes vraiment connectés. Comme nous avons tous les deux travaillé dans des studios différents, nous avons pensé qu'un jour il serait intéressant d'essayer de faire quelque chose ensemble. Nous venons chacun d'univers assez différents musicalement alors nous avons estimé que cela pourrait être un terrain d'échange intéressant pour une collaboration. Nous n'avions aucune idée préconçue, tout ce que nous voulions était d'essayer de créer quelque chose que nous avions expérimenté auparavant individuellement.

We had known each other briefly over the years through mutual connections but it was first when we moved into the same studio space, which we still share to this day together with a few others, that we connected properly. As we both worked in different studios we just thought one day that it would be interesting to try and do something together. We both came in from quite different angles musically so we felt that this could be an interesting breeding ground for a collaboration. We had no preconceived ideas, all we wanted was to try and push ourselves to create something that we had experienced before individually.

Vous êtes assez hyperactifs chacun de votre côté, comment trouvez-vous le temps de vous retrouver pour composer ?
You are quite hyperactive each one on your side, how do you find time to compose together ?

Eh bien, ça devient plus difficile à mesure que le temps passe. Lorsque nous avons commencé, il y avait moins de distractions et moins d'engagements. Maintenant, nous avons beaucoup de projets différents, 5 enfants, un chien et une vie familiale qui nous accapare... Mais il s'agit simplement d'être un peu organisé avec la gestion du temps. Évidemment, partager un même studio aide beaucoup, nous pouvons constamment discuter d'idées, de telle ou telle chose, même si nous ne travaillons pas ensemble durablement.

Well, it gets harder as time goes by. When we started, there were less distractions and less commitments. Now we have a lot of different projects, 5 children, one dog and family life that commands our attention... But it’s just a matter of being a bit organized with time management. Obviously it helps a lot to share a studio space. With that, we can constantly discuss ideas and such, even if we are not working together at the time.

Votre musique est souvent considérée comme hybride, ambient et downtempo tout en alliant des sonorités métalliques et industrielles, comment définiriez-vous votre musique ?
Your music is often considered hybrid, ambient and downtempo while combining metallic and industrial sounds, how would you define it ?

C'est assez précis. Cependant, nous n'avons pas vraiment de "boîte à outils" pour créer notre musique. C'est hybride dans le sens où nous combinons l'organique à l'acoustique comme avec le piano, le saxophone ou les cordes, comme un squelette mélodique aux sons que nous créons avec des machines. Mais à part cela, chaque album prend sa direction et son chemin au fur et à mesure que les chansons se développent.

This is fairly accurate. However we don’t really have one “toolbox” for creating our music. It's hybrid in the sense that we combine the organic and acoustic as with the piano or saxophone or strings as a melodic backbone to the sounds that we create with machines. But other than that each album kind of takes its on direction and path as the songs develop.

Avec Born To Ruin vous avez encore passé un nouveau palier. Cet album ressemble à une synthèse de vos précédents travaux, tout en étant bien plus expérimental et pourtant plus accessible. Comment avez-vous travaillé cet album ? Aviez-vous ce résultat en tête au début de l’enregistrement ?
With Born To Ruin you have reached a new level. This album looks like a synthesis of your previous works, while being much more experimental and yet more accessible. How did you build this album ? Did you have that result in mind at the beginning of the recording?

Nous avons vraiment essayé de réduire les choses. L'album précédent avait un son très large et ouvert, la réaction à cela dans un sens était d'essayer de rediriger l'énergie et d'essayer de capturer quelque chose qui serait plus cloisonné et sentirait plus la frustration. Au commencement, c'était tout ce que nous avions à l'esprit, pour être honnête. Mais progressivement, ce modèle nous a mis dans la bonne direction... en ce qui nous concerne.

We did definitely try and narrow things down. The previous album had a very big and open sound, the reaction to this was to try and redirect the energy and try and capture something which felt more caged and frustrated in a sense. When starting out, this was all we had in mind, to be honest. But gradually this as a template set us off in the right direction... as far as we are concerned.

Certains morceaux comme The Derailed ou Bright Lights, Dark Heart sont bien plus sombres qu’à l’accoutumée, même si l’ensemble de l’album est plus ou moins dans ce ton. Quel était votre état d’esprit en enregistrant ces morceaux ?
Some tracks like The Derailed or Bright Lights, Dark Heart are much darker than usual, although the whole album is more or less in that tone. What was your state of mind when recording these pieces?

En fait, la réalisation de cet album était probablement la plus fun de toutes. Nous plaisantons sur ce que nous faisons. Nous aimons les créations assez sombres mais cela ne signifie pas que nous sommes tristes ou déprimés durant le processus créatif. Nous rions de temps en temps... on s'assure juste que personne ne regarde.

Actually, the making of this album was probably the most enjoyable of all our albums. However we are pretty tongue in cheek about what we do. We like to be pretty dark in our creativity but that doesn't mean we are all moody and miserable in the process. We do laugh once in a while... we just make sure no one is looking.

Pour Born To Ruin, vous avez décidé de ne plus travailler avec Leaf, votre label habituel, pourquoi ce choix ?
For Born To Ruin, you have decided not to work with Leaf, your usual label, why this choice?

Nous avons juste estimé que nous avions besoin d'un rafraîchissement, d’aporter un peu de fraîcheur. Cette fois, nous voulions contrôler tout le processus, du début à la fin. Nous voulions avoir une distance plus courte entre les décisions et les exécutions surtout. En faisant cela nous-mêmes, nous n'avions personne d'autre sur qui râler si quelque chose n’allait pas. Et c’est également sympa d'être son propre directeur de label !

We just felt that we needed a different process to keep things fresh. This time we wanted to control the whole process from beginning to end. We wanted to have a shorter distance between decisions and executions basically, and by doing this ourselves, we had no one else to blame if something goes wrong. Also it’s fun to be your own label boss!

Il y a quelques années, vous aviez réalisé l’excellent In Dubs avec Pole. Y a-t-il aujourd’hui d’autres artistes avec qui vous aimeriez collaborer ?
A few years ago you realized the excellent In Dubs with Pole. are there other artists with whom you would like to work with today ?

Diamanda Galas. Apparemment, elle joue si fort sur son piano qu'elle pète les cordes. C'est une expérience que nous n'avons pas encore réussi.

Diamanda Galas. Apparently she plays so hard on the piano that she brakes the string. That is a skill that we have yet to achieve.

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