Ariel Pink - Dedicated To Bobby Jameson

par Xavier Mazure

Au siècle dernier, ce filou de Jorge Luis Borges inventa dans sa nouvelle Pierre Ménard, auteur du Quichotte (Fictions, 1944) un étonnant écrivain. Ce personnage nourrit le projet de réécrire à l'identique le premier tome du Don Quichotte de Cervantes. Borges nous explique alors, en divers arguments savants, la nouveauté et la supériorité de la réécriture de Pierre Ménard sur l’œuvre originale. Cette célèbre nouvelle au ton satyrique, exemple typique du postmodernisme littéraire, revient toujours en mémoire lorsqu'il s'agit de gloser sur un nouvel album d'Ariel Pink, le personnage de réinventeur imaginé par Ariel Rosenberg. La comparaison – encore plus marquante depuis l'EP Myth 002 avec Weyes Blood – pourrait néanmoins faire passer le Californien pour un terrible raseur, en occultant le caractère immédiat de ses mélodies et son amour presque naïf pour la pop.

En plus de quinze années d'enregistrements, en solitaire puis en groupe, peu de choses ont changé dans l’œuvre de recréation du génial Ariel Pink. Celle-ci, en apparence disparate (entre la lo-fi des débuts et les récents passages en studio), retrouve son unité lorsqu'on répertorie les quelques éléments constants de la discothèque rose de notre éternel nostalgique. Pour commencer, il y a cette obsession pour l'âge d'or des différentes formes de la musique pop radiophoniques des années 1960 à 1980 (de la soul à la new wave) auxquelles viennent se marier toutes sortes d'expérimentations et autres hérésies de production, des ponts improbables et un humour absurde. On retrouve aussi le refus permanent de sacrifier aux modes de production de l'époque ; le choix systématique de l'enregistrement sur bande magnétique et de sa compression lo-fi en est l'exemple le plus flagrant. Dès Another Weekend, le premier single issu de Dedicated To Bobby Jameson, on reconnaît un style, une manière inimitable de concevoir des refrains magnifiques. Le sourire aux lèvres, on se demande qui d'autre – même parmi ses nombreux copistes – serait capable d'écrire une aussi belle mélodie, d'un tel équilibre entre l'humour et la confidence mélancolique. On repense à la splendide Dazed In Daydreams qui venait clore Pom Pom...

En cela, le nouvel album n'est guère une surprise, on retrouve aussi à plusieurs reprises l'ancienne habitude qu'avait notre Hibernatus de la pop de bruiter la batterie à la bouche et de juxtaposer des couches et des couches de voix. Les fantaisies expérimentales de Death Patrol (sa disco et son violon déglingués), Santa's In The Closet (épopée haletante et burlesque), Time To Live (invraisemblable hymne hard-glam rythmé par un fragile cri de guerre) et Acting (sorte d'hybride de soul et de G-funk) rappellent les plus grandes fresques imaginatives de Worn Copy. Notons aussi que la chanson I Wanna Be Young, réenregistrée pour l'occasion, était déjà présente sur Scared Famous, paru en 2001. S'il existe une évolution dont témoigne Dedicated To Bobby Jameson, elle n'est pas à rechercher d'un point de vue formel où se côtoient les habituelles dévotions d'Ariel Pink : la dream pop (Feels Like Heaven, Kitchen Witch), The Doors (Dedicated To Bobby Jameson), The Shadows (Dreamdate Narcissist) et la bubblegum (Bubblegum Dreams). En faisant appel au personnage de Bobby Jameson, chanteur de folk des sixties détruit par l'industrie du disque, présumé mort puis réapparu dans les années 2000 au fil d'une série de vidéos autobiographiques publiées sur YouTube, le timide Ariel a trouvé un moyen pudique de nous livrer sa musique et ses émotions. Si c'est ça, la maturité ; qu'elle soit louée ! Un disque d'Ariel Rosenberg a rarement été aussi émouvant, drôle et éloigné de l'image de fanfaron qui lui colle aux pompes. À peu de choses près, Dedicated To Bobby Jameson est un chef-d’œuvre d'inventivité et de sensibilité. Mais pouvait-il en être autrement ? Gageons qu'à quatre-vingt berges, Ariel Rosenberg écrira toujours des chansons merveilleuses !

Audio

Tracklist

Ariel Pink - Dedicated To Bobby Jameson (Mexican Summer, 15 septembre 2017)

01. Time To Meet Your God
02. Feels Like Heaven
03. Death Patrol
04. Santa's In The Closet
05. Dedicated To Bobby Jameson
06. Time To Live
07. Another Weekend
08. I Wanna Be Young
10. Dreamdate Narcissist
11. Kitchen Witch
12. Do Yourself A Favor
13. Acting (feat. DāM-Funk)


Patience - White Of An Eye

Si Roxanne Clifford n'est pas Rose McDowall, avec qui elle sera en tournée au Japon cet été, Roxanne Clifford n'est pas une inconnue au bataillon pop : Veronica Falls, ferraillant une pop évasive, un brin consensuelle, et responsable de deux albums sur Slumberland Records, c'était en partie elle, au chant. Et il faut croire que l'exil à du bon pour la (rétro)créativité, puisque c'est en se barrant de son Manchester natal pour la cité des Anges, que l'anglaise décide de remiser sa pédale fuzz au placard et dépoussiérer avec sobriété un clavier titillé selon la veine synth-pop propre aux eighties. Première saillie jouvencelle sous le patronyme de Patience l'année dernière avec le maxi The Pressure, pourtant bien détendu du beat, le temps de formaliser avec l'EP White Of An Eye, prévu pour le 22 septembre sur Night School Records, mais déjà épuisé en pré-commande, son véritable chef d’œuvre, condensant avec spontanéité et candeur toute une époque, des synthés anémiques d'Eli et Jacno aux arcanes mélodiques de New-Order, en squattant également les bravades de Chris and Cosey et notamment l’indémodable October Love Song. De quoi s'offrir un clip en bonne et due forme, telle une égérie lynchienne en salopette blanche.

Vidéo

Tracklisting

Patience - White Of An Eye (Night School Records, 22 septembre 2017)

01. White Of An Eye
02. Blue Sparks


Brian Case - Spirit Design

Brian Case n'est pas que le mec qui a réussi à radiner dans son groupe, depuis implosé, le subtil et légendaire Steve Shelley (lire). Faut dire que Disappears, aux ressorts pourtant érodés et rouillés sur le conclusif Irreal (lire), se suffisait à lui-même, le plus souvent capable d'étreindre l'auditeur suffocant d'une poigne acérée et gantée de fer, vitupérant l'ennui en le recrachant en assourdissantes mélodies noires. Pas mal donc pour un groupe de Chicago, expurgeant sur Kranky les tablatures d'un post-rock aujourd'hui muséifié. Frontman déchu, Brian Case sait aussi être seul, bien entouré d'un innommable bordel, mais seul. Un homme moderne ou post- quelque chose, sachant porter son fardeau discographique sur des sentiers déjà moult fois rebattus, prenant ainsi le risque de l'aventure anodine et ressassée. Mais effleurant, à force d'épures amoncelées et éperdument retravaillées, quelques sommets d'électronique industrielle, nébuleusement dardés de grisaille, où la tension que ses claviers triturés induise supplante celle qu'autrefois il grimait d'électricité et de batterie revêche. Brin Case, un homme seul, à la voix froide et éparpillée, inquiétante et laminée, hantant épisodiquement les plages labyrinthiques de ce second disque, Spirit Design, en totale discontinuité avec les circularités de son premier essai Tense Nature paru en juin 2016, déjà sur Hands in the Dark (lire). Et ce par d'infinis dédales minimalistes, aux entournures chahutées de psalmodies lysergiques (Shipbuilding, Said Your Name), et par une inquiétante liturgie, où la lex humana semble irrémédiablement détournée au profit de machines sonnant le glas, dès l'introductive Uncanny Valley ou White Chapel. Brian Case offre un glaçon à l'orée de l'été, un glaçon confondant de beauté sournoise.

Deux morceaux sont à écouter en exclusivité ci-après : No Immediate Threat et White Chapel. 

Audio (PREMIERE)

Video

Tracklisting

Brian Case - Spirit Design (Hands in the Dark, 25 août 2017)

01. Uncanny Valley
02. Shipbuilding
03. No Immediate Threat
04. White Chapel
05. Ubu
06. Control
07. Cold Space
08. Divider
09. Said Your Name
10. Spirit Design


Jay Watson remixe Le SuperHomard

par Gaël Bouquet

Le SuperHomard, c’est l’histoire d’un projet sorti en 2015 et injustement passé au travers de beaucoup trop de radars. Pas tous, fort heureusement, ce qui nous aura permis entre autres de voir le quintette avignonnais sur scène au festival This Is Not A Love Song à Nîmes au début de l’été. Séance de rattrapage pour les plus tête en l’air d’entre vous.

Vous en seriez presque excusés tant l’ambiance de ce premier mini-album appelle au rêve, carrément iodée pour le tubesque Dry Salt In Our Hair, remixé en juin par Jay Watson, multi-instrumentiste dans Pond, Gum, Tame Impala, etc.

Une pop classe et élaborée qui évoque tantôt les mélodies vaporeuses de Sean O’Hagan (The High Llamas) période Hawaii comme sur Bituminized ou l’émotionnel From My Window. Mais aussi quelque chose de plus Stereolabesque dans la voix sur Mister Corn ou Maple Key. Rayon influences, si certains évoquent des ressemblances avec Jacco Gardner - et l'on se demande encore pourquoi -, on sent chez Le SuperHomard une ambiance psyché sixties avec ce petit quelque chose en plus dans l’efficacité de la ligne de basse, dont on sent qu’elle pourrait à tout moment nous échapper et s’emparer du morceau, un peu à la manière de l’excellent Bertrand Burgalat Meets A.S Dragon.

Alors qu’il se murmure qu'un deuxième album est dans les tuyaux, nous en sommes convaincus, si l'un des projets pop le plus sexy de 2016 était Bon Voyage Organisation, pour nous 2017 devrait être l’année du SuperHomard.

Audio

Tracklist

Le SuperHomard - Maple Key (Mega Dodo, 25 mars 2016)

01. Intro
02. Maple Key
03. On A Sofa
04. Bituminized
05. Dry Salt In Our Hair
06. On A Sofa (Part 2)
07. Mr Corn
08. From My Window


SLIFT - Space Is The Key

par Gaël Bouquet

Toulouse est une terre de rock, nous l'avions bien compris, à l'image des soirées psychedelic revolution qui officient depuis maintenant trois ans dans la ville rose.

Parmi cette ébullition de fuzz, nos oreilles étaient déjà tombées il y a quelques mois sur SLIFT, avec dans un premier temps un coup de cœur en live pour ce trio assénant un garage acide et imagé. Le premier EP de SLIFT, intitulé Space Is The Key, est sorti le 16 juin chez Howlin' Banana et EXAG' Records et c'est une véritable tuerie.

Alors évidemment, dans l'esprit, on pense à tout un tas de groupes comme Hawkwind, période Space Ritual malgré des sonorités un poil différentes, à King Gizzard & The Lizard Wizard, dans l’esthétique sonore et visuelle mais aussi sur la rudesse du son. Car si Dominator, qui ouvre l'album, est un concentré de violence, on retrouve aussi quelque chose de très "Ty Segallien" dans le chant de Sound Of My Head, morceau génial amené par la construction progressive et minutieuse d'une certaine forme d'équilibre, que le groupe viendra ensuite détruire comme un chateau de carte, mêlant la saturation de la voix à la stridence des guitares... et inversement.

Vient alors The Sleeve, qui prend le temps de se poser un moment avant de repartir lui aussi dans une transe redoutable, menée par un duo basse/batterie obsédant. Ce cinq titres se referme par Space Is The Key, morceau titre de plus de dix-minutes déboulant comme une locomotive lancée à toute vitesse avant de couper court de façon un peu abrupte.

Ce premier EP est en résumé un chaud-froid constant, savant mélange entre des thèmes planants, prêt à s'envoler sur des refrains aiguisés d'une minute à l'autre. Nous voilà à présent habité d'une furieuse envie de revoir SLIFT sur scène défendre ce très beau disque. Profitons enfin de ces lignes pour évoquer le très bel artwork de Pierre Ferrero qui apporte une dimension supplémentaire à l'univers visuel du groupe.

Audio

Tracklist

SLIFT - Space Is The Key (Howlin' Banana Records / EXAG' Records, 16 juin 2017)

01. Dominator
02. The Sword
03. Sound In My Head
04. The Sleeve
05. Space Is The Key


The Bug Vs Earth - Concrete Desert

Au départ, on n'aurait pas vraiment misé un kopeck sur Concrete Desert tant l’aventure nous paraissait casse-gueule. D’un côté The Bug, figure de proue du renouveau dubstep UK et, de l’autre, les Américains de Earth, légendes du drone doom. Sur le papier, la rencontre des genres orchestrée par Ninja Tune sentait l’écorchage d’oreilles à plein nez, pourtant le pari est réussi et le projet fait l’unanimité. Il faut dire que si le label londonien a longtemps été l’étiquette de jazz sous acide, de hip-hop ambient ou de breakbeat vaporeux, la maison de disque piloté par Matt Black et Jonathan More s’attache depuis trois quatre ans à renouveler son catalogue en s’ouvrant à des registres plus osés. Et, qu’on le veuille ou non, Concrete Desert offre un curieux contraste alchimique entre les univers de Kevin Martin et le groupe de Dylan Carlson, et fonctionne de façon détonante. Augmentée de deux tracks où le toujours vénéneux JK Flesh vient pousser quelques vocalises bien gutturales, cette nouvelle version se révèle être un must-have d’expé comme on n'en avait plus entendu depuis longtemps.

Dès l’ouverture, on se retrouve happé dans cet univers somptueusement nébuleux qui nous emporte très loin. City Of Fallen Angels se pose ici en introduction parfaite, une entrée en matière à la fois lyrique et inquiétante au fur et à mesure que le titre prend de la hauteur. On sort des sentiers battus pour se retrouver pris au piège d’un tunnel, nous plongeant dans un incroyable morceau de sludge seulement rompu par un Gasoline où les beats et les fractales synthétiques viennent reprendre leurs droits. Agoraphobia emprisonne l’air de son aura suffocante et met le feu à l’oxygène, nous préparant à la déflagration Snake Vs Rats, gros morceau de l’album. Symbiose de drone maladif et de 2-step industriel, le track pioche autant dans les itérations bruitistes d’un J.G. Thirlwell que dans une approche minimaliste d’un merzbow sous valium. Justin Broadrick, invité à remanier deux titres, touchera à peine au track tant celui-ci frôle la perfection, y apposant uniquement sa voix caverneuse et en ajoutant une bonne dose de noirceur à ce Snake Vs Rats, renommé Dog pour l’occasion. Pray, quant à lui, est une véritable ode à la noirceur où les instincts primitifs semblent prendre le dessus. Alors certes, après tant de majesté et d’ingéniosité, le reste pourrait sembler anecdotique, pourtant, que ce soit sur Don’t Walk These Streets, petit bijou dubstep ténébreux et visqueux, Hell A, tourbillon de bass saturé, véritable hymne à la noirceur ou encore Concrete Desert, morceau épopée aussi flamboyant que funeste, The Bug et Earth continuent de se montrer à la hauteur de leurs ambitions.

On ne va pas se mentir, si des exercices comme celui-ci sont aujourd’hui légion, peu restent gravés dans nos mémoires et à jamais dans le vinyle. Mais Concrete Desert a cet avantage d’être accessible sans forcement plaire au tout venant, l’album est assez bien foutu pour séduire à la fois les fans de dubstep, de métal, d’expé ou d’ambient. Une bien belle œuvre qui devrait s’offrir de belles années avant d’être surpassée.

Audio

Tracklist

The Bug Vs Earth - Concrete Desert (Ninja Tune, 24 mars 2017)

01. City Of Fallen Angels
02. Gasoline
03. Agoraphobia
04. Snakes Vs Rats
05. Broke
06. American Dream
07. Don't Walk These Streets
08. Other Side Of The World
09. Hell A
10. Concrete Desert
11. Dog feat. JK Flesh
12. Pray feat. JK Flesh
13. Another Planet


Not Waving - Red Bull Studios Paris Session

Depuis quelques années, la marque autrichienne Red Bull s’enfonce un peu plus dans le microcosme électronique et étend par ce canal subtil le macrocosme de ses sponsorisations, autrement dit de son influence. À chaque grande ville son studio flambant neuf qui profite à une sélection de noms pointus, la "fine fleur de la création actuelle", invités à profiter à l’œil d’un matos de haute volée. Red Bull, partenaire d’une musique de qualité. Invité de marque au sein de l’espace créatif. Et Paris n’a pas dérogé à la règle, se dotant fin 2013 du neuvième studio de la marque... aux manettes duquel le producteur italien basé à Londres Not Waving, Alessio Natalizia à la ville, vient juste de rendre nos débuts de nuit plus beaux avec ces cinq titres, tirés dons de sa session au royaume de la boisson énergisante. Un EP qui sort plus d’un an après Animals, dernier album à saluer paru chez Diagonal, et alors qu’il est aussi la tête pensante du label Ecstatic qu’il gère avec Sam Willis (Walls), prouvant qu’il "wave" plus qu’il le dit.

Impossible et la nappe ambient tintinnabulante qu’elle propose en ouverture met un pied dans le pépère, invite à un état de répit qui sent fort les petites olives de la fin de la semaine et la déliquescence altérante des esprits travailleurs épuisés qui va de pair. L’apéritif est prêt, les glaçons grelottent et les verres s’entrechoquent. Puis I Would Have Not Been There vient briser l’affaissement général, la mise en bouche n’aura pas duré longtemps, et le plus britannique des Italiens de ressortir ses ascendances expérimentales de derrière les fagots. Un truc qui percute autant que ce que pouvaient cracher les enceintes UK des années 1990. La dance industrielle de Not Waving prend à la gorge avec une brutalité un peu sourde, dissimulée sous les boucles inoffensives aux effets troubles, moins naïves qu’elles n’y paraissent. Les séquences rythmiques accaparent l’esprit club, un son propre mais pas tout à fait nettoyé de sa filiation underground, à l’orée d’un espace obscur où les deux taureaux rouges sont vite oubliés. La liqueur se solidifie peu à peu et les petites olives du début prennent des teintes fluorescentes sur You Just Got (Right In There) dont le beat infernal risque d’en démanger plus d’un avant de boucler la boucle en slow motion sur Pigmentocracy. Capable d’un langage digital transversal, chinant aussi bien du côté d’Autechre ou d’Aphex Twin que de l’héritage punk des années 1980 dans ce qu’il cherche à apporter une rupture, à sortir des sentiers balisés du paysage techno actuel, Alessio Natalizia rince et rince bien. Un agrégateur puissant de bonnes vibes.

Audio

Tracklist

Not Waving - Red Bull Studios Paris Session (18 mai 2017)

01. Impossible
02. I Would Have Not Been There
03. If I Knew You Were
04. You Just Got (Right In There)
05. Pigmentocracy


Jane Weaver - Modern Kosmology

Berceau du groupe considéré (à juste titre) comme la plus grande formation pop de tous les temps, Liverpool avait tout pour devenir la capitale européenne de l’indépendance musicale, celle-là même capable d’insuffler ce fameux esprit de liberté à toute personne décidant d’emprunter les sentiers les moins balisés de la culture dite "populaire". Mais force est de constater que cinquante ans plus tard, dans l’idéologie des adorateurs de musique indie, c’est sa voisine mancunienne qui remporte aisément le titre de ville la plus influente dans ce domaine artistique. Il est vrai qu’entretemps, Tony Wilson et sa Factory avait balayé toute concurrence, assénant un premier uppercut du droit à sa voisine à l’orée des années 1980 en donnant naissance à une flopée de groupes aussi indispensables que novateurs, dont les fers de lance Joy Division et New Order. Une décennie plus tard, Manchester mettra la cité liverpuldienne définitivement au tapis, lui administrant un fatidique direct du gauche via le mouvement Madchester dont l’Haçienda, les Stones Roses et autres Happy Mondays seront les plus emblématiques représentants. Ajoutez à cela les quatre à cinq années glorifiées par les productions de The Smiths et vous comprendrez aisément que le défi s’avérait particulièrement difficile à relever pour la Merseyside. Pour autant, Liverpool, au fil des années, n’a pas été avare de talents, loin s’en faut. Des personnalités comme Michael Head au travers des Pale Fountains, Shack, des formations comme The La’s ou encore The Coral se sont montrées et se montrent encore largement à la hauteur de leurs voisins mancuniens. Mais, dans l’imagerie collective, leur influence est rarement considérée comme étant aussi majeure que celle de leurs meilleurs ennemis.

Jane Weaver, artiste liverpuldienne basée depuis plusieurs années à... Manchester, ne déroge nullement à cette règle. Déjà plus de quinze années qu’elle distille à intervalles réguliers des albums aussi merveilleux qu’indispensables dans une indifférence quasi-totale, quinze ans que son essai inaugural, l’inaltérable Like An Aspen Leaf, émeut au plus haut point à chaque écoute. Teintant sa pop-folk initiale (jetez une oreille à sa somptueuse reprise de Heart Of Gold de Neil Young) d’une coloration plus électronique depuis quelques années maintenant (le mirifique The Silver Globe sorti il y a trois ans étant certainement le représentant le plus emblématique de cette évolution), son huitième album, Modern Kosmology, sorti chez Fire Records le 19 mai, mérite amplement d'être mis à l’honneur de la plus respectueuse des manières que ce soit tant les dix pièces d’orfèvrerie le composant sont en tout point renversantes.

En effet, au travers de ce nouvel essai, véritable invitation au voyage et à l’évasion, Jane Weaver nous ouvre les portes d’un monde kaléidoscopique empreint d’une culture psychédélique totalement assumée mais également porteur d’une constante recherche de sonorités résolument à la pointe de la modernité pop. Elle conjugue ainsi sa musique à tous les temps, cherchant à retranscrire le krautrock des seventies tout en l’alimentant de gimmicks et autres trouvailles résolument contemporaines afin d’insuffler à son œuvre une dimension résolument futuriste. L’introductif et ascensionnel H>A>K, ode à l'artiste abstraite suédoise Hilma af Klint en est la parfaite illustration, ce morceau nous remémorant les émotions ressenties lors des premières écoutes de The Echo Show de Yeti Lane, dernier grand voyage cosmique en date qu’il nous ait été donné d’entreprendre. Il ne reste alors plus à Jane Weaver qu’à dérouler le fil de ses émotions. Du classicisme de Did You See Butterflies, jonglant entre couplets aériens tout droit sortis d’un inédit de Lush et refrains dans la plus pure tradition de Stereolab, à l’élégance de Modern Kosmology aux accents "Broadcastiens" jusque dans l’évocation de la si regrettée Trish Keenan, les mélodies en apesanteurs s’enchainent avec une aisance en tout point déconcertante. Et lorsqu’il s’agit d’accentuer le caractère psychédélique du propos, la Liverpuldienne dose ses effets avec ingéniosité afin de ne pas tomber dans la caricature du genre, témoin ce Loops In The Secret Society qui n’est pas sans rappeler la délicatesse et la subtilité des meilleures compositions de The New Lines. Un retour au classicisme de ses débuts (tant Valley pourrait figurer sur Like An Aspen Leaf), une accentuation du caractère électronique du propos, d’abord discrète sur The Lightning Back, morceau à la boucle synthétique et aux cœurs envoûtants lorgnant sans vergogne du côté de Still Corners, puis ouvertement affirmée sur l’explosif The Architect, autant de subtiles variations que la songwriter se plaît à mélanger sur sa palette musicale afin d’illuminer sa toile. Ingénieux mélange des genres qui, sur Ravenspoint, prend son virage le plus surprenant grâce à la collaboration de Malcom Mooney, premier chanteur de Can, qui vient marteler de son inimitable phrasé une architecture musicale synthétique des plus raffinées. Ce même Malcom Mooney qui avait d’ailleurs déjà travaillé, à l’orée des années 2000, avec (le Mancunien !) Andy Votel, fondateur du feu label Twisted Nerve et compagnon de Jane Weaver. Mais c’est très certainement au travers de Slow Motion, ritournelle électro-pop aux richesses insoupçonnées rappelant une Sally Shapiro empreinte de mélancolie, que cette alchimie des sens atteint l'apogée. Un morceau taillé pour la reconnaissance qu’il serait extrêmement dommageable de considérer comme un simple trésor caché. Puisse cette véritable pépite mener un maximum de dénicheurs vers le coffre à merveilles que représente la discographie de cette (très) grande artiste. L'ultime et délicat morceau sobrement intitulé I Wish semblerait presque porter en lui cette aspiration.

Soutenue par une distribution plus importante pour ce dernier essai, l’espoir de voir Jane Weaver accéder à une notoriété plus conséquente et enfin recevoir toute la considération qu’elle mérite apparait envisageable. Non pas que ce soit une ambition affichée de la part de la créatrice de Modern Kosmology, elle qui se plaît à assumer son extrême lenteur en matière de création artistique, produisant elle-même ses albums au rythme de ses envies. Mais ce disque, sans doute le plus abouti de sa carrière, recèle en lui cet équilibre nécessaire entre références usitées à bon escient et explorations musicales novatrices, cette alchimie transformant notre intérêt pour une œuvre musicale en véritable affection. Il est si rare et difficile d’être à la fois originel et original. Et cette fois-ci, sans aucun doute possible, c’est bien la native de Liverpool qui survole les débats.

Tracklist

Jane Weaver - Modern Kosmology (Fire Records, 19 mai 2017)

01. H>A>K
02. Did You See Butterflies
03. Modern Kosmology
04. Slow Motion
05. Loops In The Secret Society
06. The Architect
07. Lightning Back
08. Valley
09. Ravenspoint
10. I Wish


Chino Amobi - Paradiso

"L’individu ne peut être considéré ni comme un néant ni comme un absolu mais comme un terme de relation réelle"

"L’histoire de la pensée ne doit donc pas être nécessairement considérée comme séparée des autres processus d’individuation ; elle est seulement condition sine qua non de l’explication à une époque donnée de telle ou telle forme d’individuation, ce qui est la condition à l’accès à l’existence de telle forme ultérieure qui exige l’antériorité de telle autre forme réfléchie ; le postulat de cette méthode est que l’accès à la réflexivité d’une forme d’individuation peut se comporter comme condition d’apparition d’une forme (…)" Gilbert Simondon

"Welcome to Paradiso, it’s Chino Amobi" - Il serait outré de parler d’une composition symphonique, pour parler du dernier coup de maître de Chino Amobi. Comment décrire ça ? Un album qui rentre directement dans l’histoire. Sample, ritournelle, poésie, field recording, radicalisation de tout, carte mentale, géographie musicale d’une diaspora vécue, électronique bizarre, vraiment bizarre, absence de rythmique linéaire, création de tropes sonores, Paradiso est un putain de chef d’œuvre dense. Un monstrueux patchwork, un prêche bien chelou, un manifeste d’une avant-garde qui n’est finalement peut-être plus sans avant-garde. On vit peut-être enfin un temps où il n’est plus le moment de jouer avec ironie sur les codes d’un vieux monde occidental en désuétude et en proie à des démocraties fantoches, à des entreprises et des applications qui remplacent peu à peu des intensités vécues en suggestions et inductions tellement intégrées qu’elles ont l’air plus réelles que le réel encore possible.

Paradiso est une fresque épique qui requalifie une certaine idée de l’intensité, du politique, et de la composition, au sens le plus strict du terme. Il n’est pas question d’une nature morte sonore mais bel et bien d’une intensité dense, d’un récit puissant couturé autour des figures angoissantes d’un monde empêché dans sa "vérité". La vérité n’est qu’une fiction politique parmi d’autres et, s’il ne reste que la mort comme vérité ultime, il faut bien dégager des voies pour vivre un peu sérieusement, un peu conséquemment.

Chino Amobi, ex-Diamond Black Hearted Boy, cofondateur de NON Worldwide, dont on a déjà beaucoup parlé et dont le but avoué et manifeste est un rejet de la culture de masse dominante blanche digérée internationalisée, et des conditions politiques existantes. Paradiso, comme NON, compte un nombre assez fou de collaborations : Nkisi, FAKA, Haleek Maul, le modèle trans Aurel Haize Odogbo, Benja SL, Rabit, Dutch E Germ aka Tim DeWit, ex-Gang Gang Dance et, pour ouvrir le tout, un poème d’Edgar Allan Poe, The City In The Sea, qu’Elysia Crampton récite sur des bruits de vagues et de tonnerre.

Paradiso est une sorte de zigzag plein d’entraves sonores, de collages de textes et de détritus mentaux et sonores. Indus des années 1980, pop music, électronique lancinante, rythmique latino méga ralentie, synthés d’un autre âge, tout se cogne et se contre-cogne, tout rentre en collision, en intrusion dans les linéarités habituellement binaires entre mélodique et rythmique. Tout se télescope toujours dans Paradiso. Déchets sonores de la vie urbaine, jingles radio démoniaques, gadgets défectueux et alarmes de voiture sont là comme autant d’embuches et d’éléments d’une critique radicale de ce qui ressemble à un purgatoire contemporain.

Peut-être que ce qui conviendrait le mieux à Paradiso pour le décrire, c’est cette idée de chant épique… une sorte de Dante sonore. Il y a quelque chose de séduisant, de malin, qui pourtant surgit, déborde toujours de cette apparente cacophonie déjà plus que post-moderne. Aucune perception linéaire n’est possible dans ce manifeste, le flux est constamment interrompu et le chaos semble y être une certaine règle de composition. Impossible de faire l’expérience d’une écoute passive de cet album tant la fragmentation et les torsions sont inhérentes à la composition. Il y a quelque chose d’une tentative de ramener l’auditeur dans un présent vécu, dans un ici et maintenant, ou peut-être même dans le postulat d’une temporalité qui serait celle d’un "no présent" radical mais pas nihiliste. Quelque chose de l’ordre de trouver le chemin vers une intensité sensible insurrectionnelle. Certains tropes sont tordus à l’extrême jusqu’à en devenir quasiment surréalistes. On connaît la prépondérance de l’usage du bris de verre dans les productions de NON et d’une certaine scène club de la déconstruction, dans Paradiso il y a une torsion extrême de ces tropes mêmes. Une critique in progress. Radicaliser jusqu’à produire la sensation d’un cauchemar épuisant ou le son d’une parade monstrueuse qui viendrait réveiller un degré enfoui d’une forme de conscience au monde ; horror show politique.

Paradiso fonctionne sur le modèle d’une prolifération sensible, d’une surcharge sensorielle chaotique, une sorte de bombardement sensible. Pour autant, il n’est pas question d’être effrayé mais bien de sortir de ce marché de la peur, de la norme qui n’en a plus l’air et de réagir avec vitalité à des circonstances de plus en plus extrêmes politiquement. Plus personne ne semble se cacher pour produire son fascisme potentiel. Paradiso est une insurrection sensible contre un espace qui peut sembler de plus en plus vide. Une tentative de sens par surcharge au milieu d’un vide et d’une solitude de plus en plus crasse. Contre les oppressions, quelles qu’elles soient, il reste une arme massive, celle de l’intensité de nos vies vécues, bizarres et chaotiques.

Paradiso décrit un monde sauvage et propose, si ça n’est une radicalisation, en tout cas une politique du sauvage, sauvage non pas au sens Rousseauiste, occidental, mais bien au sens de politique de l’émeute sensible, du souterrain, et de l’intensité réelle. Il n’y a plus d’éthique de la vérité possible ni souhaitable, seulement un maintenant à radicaliser pour s’extraire, autant que faire se peut, d’un marasme politique et intellectuel qui ressemble de plus en plus à une tentative de castration organisée des têtes et des corps. Une castration mentale et sensible induite, enjointe et acceptée sans broncher au détour de son agenda Google ou de son flirt Tinder. Paradiso a le mérite de proposer une voie, celle de la surcharge sensible comme mode de lutte et de production possible contre la désintensification d’un espace vécu toujours plus vide, segmenté et routinier.

La collision, le rythme, la surcharge sensible comme autant de court-circuits possibles, comme autant d’armes critiques et pratiques contre un espace lisse et plat qui semble de plus en plus infini. Peut-être finalement que pour radicaliser maintenant, il n’est plus question de s’interroger sur la vérité au sens strict et étymologique du terme, ou bien d’envisager des modes de vie alternatifs, mais bien d’armer nos luttes par des modèles visant à détruire tout le connu, tous les espoirs encore souhaités pour rentrer dans le désespoir radical d’une destruction complète de toute idée de vérité au profit d’ensembles intenses. En somme, produire des tentatives fluides de formes de vie sensibles, se désassimiler par collision et surcharge permanente de productions de sensations et de sensibles politiques inconnus. En d’autres termes, simplement tenter de faire sens. Faire sens non plus en cherchant la vérité, l’universel mais bel et bien en pratiquant l’hybridation extrême utile à la création de monstruosités chimériques, nécessaires pour punir et sortir de la médiocrité du réel. Voilà en tout cas une des fictions possibles que dégage Paradiso, voilà en tout cas une manière d’envisager le monstrueux comme forme d’ingouvernabilité nécessaire. Paradiso est un fragment de réel chaotique et politique possible et c’est une arme dense pour penser et envisager le Maintenant.

Audio

Tracklist

Chino Amobi - Paradiso (NON, 05 mai 2017)

01. Law I (The City In The Sea)
02. Gænova
03. Blood Of The Covenant
04. Negative Fire III
05. The Failed Sons And Daughters Of Fantasia
06. Blackout
07. Antikeimenon
08. Nkisi (edit)
09. Eigengrau (Children Of Hell II)
10. Law II (Demolition)
11. Polizei
12. White Mætel
13. White Mætel Narrative
14. Radical Zero
15. Paradiso
16. Law III (Adam)
17. The Floating World pt. 1
18. The Floating World pt. 2
19. Dixie Shrine
20. Kollaps
21. End (The City in the Sea)


The Big Idea - La Passion Du Crime 3

par Gaël Bouquet

The Big Idea fait partie de ces heureux hasards, rencontré sur internet au détour d’une page Bandcamp et qui, tout d’un coup, vous donne envie de remercier chaque jour les cerveaux bouillonnants ayant imaginé et mis au point le réseau internet mondial tel que nous le connaissons aujourd’hui. Réseau permettant à un individu A de tomber sur la musique d’un individu B.

Cet individu B s’appelle donc The Big Idea et derrière cette entité se cache la musique de sept Rochelais établis à Paris qui viennent de sortir leur premier album, La Passion Du Crime 3, ce samedi 06 mai. Et c’est une véritable tuerie.

Ce qui frappe chez The Big Idea, outre le jeune âge des membres du sextet, c’est la démarche DIY radicale du projet. Enregistré à la maison, sorti sous la forme d’un quadruple album CD chez Meteor Shower Production (label/boite de production montée par le groupe), qui organise aussi le Cremafest à domicile.

Après avoir sorti deux premiers EPs qui avaient déjà attiré mon attention il y a quelques mois, le groupe récidive en sortant ce disque massif de vingt-trois titres.

On pourrait alors se dire, au premier abord, que ne sachant faire un choix parmi leurs morceaux, le groupe aurait privilégié la quantité à la qualité. Et quelle erreur ce serait de penser ça. Le disque s’avère extrêmement rythmé, entre des thèmes fuzzy, psyché, boogie-woogie voire même carrément glam. Et c’est là que repose pour moi le gros potentiel de ce tout jeune groupe : la capacité à enchainer à la perfection plusieurs thèmes sur un même morceau sans créer de longueur. Chose que l’on retrouvait sur les deux premiers EPs et qui marche particulièrement bien sur l’ensemble de cet album, évoquant ainsi dans sa structure ... And Star Power, l’avant-dernier Foxygen, paru en 2015. Exemple probant : la maturité de la composition de VIII, morceau de quatorze minutes figurant sur le troisième CD.

Rayon influences, on peut citer sans trop se tromper King Gizzard & The Lizard Wizard (époque Paper Mâché Dream Balloon autant que I'm In Your Mind Fuzz) mais aussi Pond, le final de CXXXIV (sur le quatrième CD, aussi présent sur l’EP) évoquant le dénouement de Midnight Mass (dernier morceau de l’album Hobo Rocket de Pond). Il s’agit d’ailleurs de l’un des morceaux phares de l’album, subtilement repris par passage sur plusieurs autres titres.

Cet album concept étale donc sur près de deux heures l’histoire de l’inspecteur Lawrence, balloté d’interludes téléphoniques en interludes téléphoniques par une inconnue, jusqu’à un rendez-vous mystérieux. Habile dénouement et véritable création sonore que cette rencontre que l’auditeur attentif aura attendu et appréhendé depuis le début du disque. Disque clôt par un ultime thème final d’une vingtaine de minutes, ambiant, instrumental et remarquablement juste.

The Big Idea a réussi son pari, reste à défendre ce projet sur scène.

Audio

Tracklist

The Big Idea – La Passion du Crime 3 (Meteor Shower Production, 06 mai 2017)

CD1

INTRO
XXI
LVII
XV
XVIII
LXVI
CII

CD2

LV
III
XL
MXI
LXXV
XXVI
XXXII
CDXL
LXXII
LXXXVIII

CD3

LXXXIII
VIII
XXXIII
CXXXIV

CD4

Le Rendez-Vous
Thème Final


Fujiya & Miyagi - Fujiya & Miyagi

« Sur cet album, j’ai essayé de trouver des points positifs et de ne pas me reposer uniquement sur mon mépris total du monde qui nous entoure »

C’est pétri d’enthousiasme et écorché de bonnes intentions que David Best présente ce nouvel album éponyme de Fujiya & Miyagi, trio slash quatuor qui pianote des trucs sur des synthétiseurs depuis plus de quinze ans maintenant. Et chez le groupe de Bristol, le dédain du monde qui nous entoure a souvent l’emballage pop et le goût électro-kraut. Un rock qui n’en est pas vraiment, quoi. Et cela tombe bien, Fujiya & Miyagi n’est pas vraiment un album non plus. Pour préciser, c’est la compilation de leurs trois derniers maxis, respectivement EP1, EP2 et EP3, parus au cours de l'année dernière, soit la réunion un brin flemmarde de compositions précédentes où l'ambiance claire des dancefloors montent d'un cran sur l'échelle du digital. Des sonorités très numériques pour des danses nettes aux couleurs acidulées, mélancoliques malgré tout. Fijuya & Miyagi présente donc une cohésion un peu chelou, forcément disqu-ontinue, pour ne pas dire inégale, qui n’enlève rien à la découpe super précise et fascinante du fake duo nippon. Le format est toujours carré, rien n’en dépasse, c’est clean à piquer les yeux tellement le son est lustré. Calibrage maximal et émotion stérilisée. Solitaire a les mêmes atomes crochus que les notes emblématiques de l'introduction du In The Grace Of Your Love des Rapture de 2011. Sans virer 100% DFA, hein. Mais là-dessus, une sensation demeure, ce petit balancement de tête qui demeure bien vivace malgré les beats un peu coincés. Le dernier tiers du disque veut d'ailleurs son pesant de cacahuètes, se révélant à qui veut bien l’attendre. Et entendre. Fijuya & Miyagi se mérite, passé le mur des répétitions. L’effort est long à savourer mais il reste en bouche longtemps, et c'est juste ici que les choses prennent tout leur intérêt. Putain de point positif !

Tracklist

Fujiya & Miyagi - Fujiya & Miyagi (Impossible Objects Of Desire, 07 avril 2017)

01. Magnesium Flares
02. Serotonin Rushes
03. Solitaire
04. To The Last Beat of My Heart
05. Extended Dance Mix
06. Outstripping (The Speed Of Light)
07. Swoon
08. Freudian Slips
09. Impossible Objects Of Desire
10. Synthetic Symphonies
11. R.S.I.


ADULT. - Detroit House Guests

L’électroclash, un vague souvenir dans le paysage musical qui n’aura guère laissé de marque intarissable. Né au début des années 2000, quelque part entre New York et Détroit, ce mouvement avait pour ambition de révolutionner l’électro à grand renfort de new-wave, synth-pop, punk et j’en passe. Un croisement étrange entre cuir et paillette, libéralisme culturel et iconographie du troisième sexe, l’électroclash deviendra d’ailleurs rapidement LA bande son des soirées LGBT.  Mais apparaissant rapidement comme un fourre-tout étriqué pour moults revival eighties en devenir, le style musical se désagrège peu à peu, entraînant avec lui certains de ses principaux fers de lance - quelqu’un a des nouvelles de Felix Da Housecat ou de Fischerspooner ? Et pourtant, s’il y a bien un groupe qui aura su tirer son épingle du jeu durant cette période pas vraiment mémorable de la musique électronique, c’est le duo ADULT. composé de Nicola Kuperus et d’Adam Lee Miller. Hors-norme, hors-cadre, hors-champs, ADULT., depuis le premier album Nausea, n’a jamais vraiment aspiré à entrer dans une case, se renouvelant à chaque essai depuis vingt ans maintenant. La preuve encore avec Detroit House Guests, dernier LP composé uniquement de collaborations et qui fout un sacré pied de nez à ceux qui les pensaient rangés de toutes exubérances.

Il faut dire que The Way Things Fall était peut-être jusqu’ici le disque le plus symbolique du combo, à la fois tendu et péchu mais aussi ouvert à des mélodies parfois plus sages, non moins sournoises, combinant ce que le duo avait fait de mieux jusqu’à présent tout en s’offrant le luxe de plaire à un plus large auditoire. Mais voilà, avec Detroit House Guests, les cartes sont redistribuées et le passé balayé sans être oublié. D’ailleurs, il est plutôt question ici de mettre un sacré coup dans le rétroviseur, tant sur le plan musical qu’à la citation de certains de leurs invités (Douglas McCarthy, Michael Gira). Avec Detroit House Guests, nos deux adeptes de l’électro-punk ont décidé de sortir de leur zone de confort, habitués à composer en couple dans leur studio, ils ont cette fois-ci loué un espace de 4000 m2 dans lequel ils se sont immergés jours et nuits avec leurs "invités" afin de rendre cet album le plus unique possible. Une démarche qui, ma foi, leur aura donné raison, puisqu’une fois de plus la musique d’ADULT. fait mouche et sort l’auditeur des sentiers battus.

À ce titre, les morceaux They’re Just Words (feat. Douglas McCarthy) et We Chase The Sound (feat. Shannon Funchess) sont les plus attendus. Calibrées EBM, les deux tracks s’inscrivent parfaitement dans ce qu’a pu nous offrir l’ADULT. des débuts même si l’on restera plus scotchés par We Are A Mirror, toujours accompagné par McCarthy, pépite synthwave mid-tempo aux accents industriels qui a vite fait de nous vriller la caboche. Et que dire de cette balade électro-tribale, As You Dream, où Micheal Gira nous envoûte littéralement de sa voix caverneuse, ou du claudiquant et mystique Enter The Fray auquel la talentueuse Dorit Chrysler insuffle une bonne dose de malice. Bref, encore une fois, rien à jeter dans ce nouvel opus d’ADULT. qui se dévoile toujours un peu plus au fil des écoutes et qui, comme à l’habitude du groupe, réjouit autant nos esgourdes que nos guiboles. On serait bien tentés de demander leur recette pour qu’à chaque rendez-vous la magie opère. Mais une fois le secret révélé, cela ne perdrait-il pas un peu de son charme ?

Vidéo

Tracklist

ADULT. - Detroit House Guests (Mute, 17 mars 2017)

01. P rts M ss ng feat. Robert Aiki Aubrey Lowe
02. Breathe On feat. Michael Gira
03. Into The Drum feat. Lun*na Menoh
04. We Are A Mirror feat. Douglas J McCarthy
05. Enter The Fray feat. Dorit Chrysler
06. Uncomfortable Positions feat. Lun*na Menoh
07. We Chase The Sound feat. Shannon Funchess
08. They're Just Words feat. Douglas J McCarthy
09. Inexhaustible feat. Dorit Chrysler
10. Stop (And Start Again) feat. Shannon Funchess
11. This Situation feat. Robert Aiki Aubrey Lowe
12. As You Dream feat. Michael Gira


Niagara - São João Baptista

Manifeste anti-house non-jazz. Ça commence bien, une petite rythmique jazz au clavier et, très vite, de la disco électronique. Des percussions toujours jazz, et d’autres plutôt kuduro, batucada. C’est sans une vision tout à fait partiale et loin de la volonté de la dernière sortie de Niagara chez Principe Discos. Pourtant, dès le premier morceau, Asa, rythmique jazz contrecarrée par des impétuosités électroniques. Percussions, pas trop loin de ce qu’on peut reconnaitre dans le kuduro, quelques samples, et bizarreries rythmiques. Tout ça avec des atmosphères à la Black Devil Disco Club ou Bernard Szajner.

Radicalisation house par l’instrumental et la distorsion des synthétiseurs, lecture non linéaire d’une histoire des musiques électroniques et discontinuité des récits sonores, São João Baptista peut faire penser à la sortie de Cotrim sur One Eyed Jacks (lire) qui avait pu émouvoir nos oreilles dans l’application d’une décontraction stricte, disons-le rapidement, d’une forme de techno.

C’est un EP bizarre, presque autotélique, qui dit sur les révolutions qui sont en train de secouer la musique européenne et, plus largement, la musique électronique internationale. Quand les clubs et les organisateurs de soirée en France louent un retour d’une house soporifique normalisée et blanchisée, les musiques électroniques répondent par des intersections géométriquement révolutionnaires.

Dire de São João Baptista que c’est un EP house est un parti pris un peu étrange, on pourrait aussi le qualifier d’expérimental, d’instrumental électronique ou tout simplement d’électronique bizarre. On peut aussi le lire comme la digestion d’un brassage non-hiérarchisé de ce qu’est la musique aujourd’hui, une application de l’idée de la "distortion culturelle" si chère aux avant-gardes de la fin du XXe siècle.

Dire de São João Baptista que c'est un manifeste est un parti pris tout aussi étrange. Manifeste conscient ou inconscient, Niagara réussit le tour de maître de faire avaler une relecture convaincante d’une house moribonde et ennuyeuse à souhait qu’on retrouve dans tous les clubs "branchés" de province et de Paris - vous savez, cette house worldie diffusée par des mecs avec des chemises à fleurs...

Un manifeste rythmique bizarre, étrange, qui se passe de linéarité pour amener dans la disjonction, le collage et le bizarre une sorte de batucada néo kuduro électronique house. Quatre morceaux, quatre manières de radicaliser des rythmiques et des sonorités. Le tout finissant par un très étrange titre, Laranja, entre flûte de pan, distorsion de synthé, boîte à rythmes bouclée sur une rythmique basique et sentiment d’être pris dans un flanger mouvant.

Manifeste ou pas, São João Baptista, est l'une des plus belles sorties de Niagara chez Principe Discos, en tout cas une sortie qui donne à penser que les hybridations et les monstruosités n’ont pas fini de repousser les frontières de l’électronique.

On vous engage aussi à aller écouter le dernier morceau acid kuduro de Dj Nigga Fox qui est dans doute un encore plus brillant manifeste et qui sort ces jours-ci chez le même Principe Discos. Gloire aux monstruosités radicales de l’électronique de Principe Discos.

Audio

Tracklist

Niagara - São João Baptista (Principe Discos, 29 octobre 2016)

01. Asa
02. IV
03. Amarelo
04. Laranja


Noveller - A Pink Sunset For No One

Samedi 28 janvier. Paris, quatorzième arrondissement. Du béton à perte de vue, une poignée de visiteurs se promènent d’un bloc gris à un autre, les gobelets de vin chaud et les cigarettes fument. Voici le chantier de la résidence Chris Marker, projet ambitieux visant à réunir centre de bus urbains et logements sociaux en un même lieu, transformé le temps d’un long après-midi en festivités privées en milieu BTP. C’est là, dans cette atmosphère inerte et frigide que Lee Ranaldo, guitariste de Sonic Youth, s’est fendu d’une performance à la guitare dont il était le seul héros à balancer, gratter, frotter, râper son instrument contre le vide et les murs imposants de fixité du chantier. Un moment d’expérience pur, une dialectique au concept vite fait touche la nouille de mise en résonance entre un espace brut et l’épreuve sonore qui en découle, suspendue à la Fender triturée comme jamais de l’ami Lee.

Cette même idée d’investir une temporalité différente, d’entrer dans un jeu de construction solide qui vise à superposer nappes, enveloppes et boucles sonores est palpable chez Sarah Lipstate, a.k.a. Noveller. Avec son dernier album tout disponible chez Fire Records, A Pink Sunset For No One, elle assiège le blanc du silence et fait défiler neuf pièces comme autant de plans-séquences d’une humeur de l’instant. Structuré comme un moyen-métrage, avec son lot d’ambiances captées en 70 mm, le son panoramique et les émotions intensifiées, le déploiement du disque précise à lui seul que Noveller est également à l’œuvre du côté du cinéma : c’est la musique faite image. Et le courant électrique concrétisé, éveillé à la force de la musique contemporaine ; Rituals rend hommage à Steve Reich et au fondateur Music For 18 Musicians.

Les longues plages instrumentales, propices aux entrelacs à six cordes, électrifient les harmonies et les énergies. Le format est moins inhabituel que la conception. A Pink Sunset For No One s’envisage comme une exploration étagée de l’intimité de l’instrument et l’expérimentation de ses possibles sans quitter le giron rassurant de la mélodie. Jeux de guitare pas vilains, avec les mains mais sans bagarre. Noveller délimite les contours d’une musique d’ambiance pas loin d’être abrasive, la superposition gracieuse et le larsen tapi dans l’ombre, prêt à jaillir à tout instant. Si les acouphènes pouvaient être agréables, ils seraient ici en ébullition, accompagnés d’un effet atmosphérique, et le résultat est planant. Belle chambre d’échos que celle installée ici par Sarah Lipstate, loin de perdre les pédales.

Audio

Tracklist

Noveller - A Pink Sunset For No One (Fire Records, 10 février 2017)

01. Deep Shelter
02. Rituals
03. A Pink Sunset For No One
04. Lone Victory Tonight
05. Trails and Trials
06. Another Dark Hour
07. Corridors
08. The Unveiling
09. Emergence


Tristesse Contemporaine - Stop And Start

Depuis 2009, le trio all living in Paris Tristesse Contemporaine cultive son côté arty : le nom qui sonne comme un manifeste d’art contemporain, ou une étude de la pensée comportementale du XIXe siècle selon Hippolyte Fierens Gevaert (lire), et la tête qui rappelle les bienfaits de la discrimination positive, un "united sounds of Benetton" plus haut de gamme et plus branché. Les deux associés au port très posé décalé d’un masque d’âne à la performance, le groupe affichait tous les stigmates de l’effet de mode, par définition vain et éphémère. Cette troisième fournée, Stop And Start, née dans le giron de Record Makers, remet les choses à leur place, loin de l'aseptisation des ambiances de podiums.

Musique sur papier glacé, la partition des émotions du trio polyglotte s’écrit blanc sur noir dans un cadre étudié. Rien n’est laissé au hasard, des motifs carrés découpés au bistouri à l’écho lancinant du propos, susurré et resserré autour d’une idée qui transpire pas la joie (Girls, It Doesn’t Matter, No Hope), incision de spleen à trois instruments chirurgicaux - quatre si l’on compte les services du batteur dont le trio s’est adjoint ici. Il rôde toujours une certaine idée de la frugalité sur ces dix pistes ; qui peut le moins peut le mieux. Ce qui vaut à de beaux moments d’émerger comme avec, en tête, Ceremony, point d’orgue de cet album, strict "stop" de fin qui souffle le chaud au-dessus du vent glacial des eighties, toutes voiles et références dehors.

Sorti de l’urgence un peu rêche et métronomique de la boîte à rythme, délesté du dogmatisme synthétique, Tristesse Contemporaine reprend des couleurs et diffuse un peu plus de chaleur et de catchy dodelinements de tête, sans aller jusqu’au booty shake s’entend. Et l'aspect blues back to basics de Know My Name le lui rend bien. Comme quoi, avant de commencer, s’arrêter a parfois du bon. Les pichenettes électriques secouent l’écriture à la bile noire que recrache le trio à partir de sa lecture du théâtre de l’ordinaire, sans en extraire les scories. Une allure émaciée, lot de la griffe Tristesse Contemporaine. Entre Londres, Paris, Stockholm et Tokyo.

Vidéo

Tracklist

Tristesse Contemporaine - Stop And Start (Record Makers, 20 janvier 2017)

01. Let's Go
02. Dem Roc
03. Girls
04. Know My Name
05. Get What You Want
06. Everyday
07. It Doesn't Matter
08. Stop and Start
09. No Hope
10. Ceremony